El joven escritor formoseño, Bau Yahari, presentó la preventa de su nuevo libro Proemio de un comediante (editado por Sueñera Ediciones, sello de la Revista Sudestada) que estará disponible durante los próximos dos meses y podrá adquirirse a través de la web https://linktr.ee/proemiodeuncomediante al precio de 15 mil pesos. Se trata de la quinta obra de este prometedor autor que, en esta oportunidad, elige narrar un poemario donde, fiel a su estilo, cita a pensadores clásicos de su preferencia como Slavoj Žižek, Jorge Luis Borges, Charles Bukowski &nbsp;y Jacques Lacan y los hace dialogar con grandes filósofos contemporáneos como Cristian “El Pity” Álvarez, Don Ramón e, inclusive, un juego online que está en auge: el Fornite. Con la impronta que lo caracteriza, Bau Yahari construye los relatos de esta “novela en verso”, como él mismo la define, desde lo profundo de sus sentimientos y pensamientos con un análisis exquisito de su propio ser y los metadiscursos que lo atraviesan y lo invitan a una introspección constante de sus vivencias, sobre todo, amorosas. Es una serie de poemas cortos, fáciles de leer pero que logran calar hondo en los lectores, principalmente en aquellos que intentan acercarse, o volver, a la lectura como herramienta de resistencia frente a un mundo que presenta alternativas de entretenimiento cada vez más efímeras e insignificantes. “Mis poemas surgen en un entorno de tristeza, melancolía y nostalgia”, reconoce el autor y agrega: “No mantengo ninguna estructura ni rutina puntual; escribo cuando lo necesito. Aun así, más o menos he hecho el cálculo y termino escribiendo alrededor de cuatro horas diarias”.&nbsp; En la obra de Bau Yahari, la escritura no aparece como una disciplina académica ni como una práctica profesional, sino como una forma de supervivencia emocional: “La escritura era el único escape que tenía de la realidad, la forma de hacer catarsis y, con el tiempo, también entendí que era lo único que sabía -y sé- hacer bien”. Uno de los aspectos más llamativos de Proemio de un comediante es la naturalidad con la que pone en diálogo universos aparentemente incompatibles. Žižek puede compartir página con Don Ramón. Lacan puede cruzarse con Fortnite. Borges puede convivir con la cultura de internet. Lejos de ser una provocación, esa mezcla parece reflejar la manera en que una generación entera construye hoy sus referencias culturales: saltando de una teoría filosófica a un video viral, de una novela clásica a un videojuego online, sin establecer fronteras rígidas entre la llamada alta cultura y la cultura popular. En ese sentido, la obra de Yahari resulta representativa de una sensibilidad contemporánea que encuentra sentido precisamente en esos cruces. Proemio de un comediante ya se encuentra en preventa y puede adquirirse durante los próximos dos meses. Más allá del lanzamiento editorial, el libro confirma la consolidación de una de las voces jóvenes más particulares surgidas en Formosa en los últimos años. Una voz que encuentra en la poesía, la filosofía y la cultura popular no respuestas definitivas, sino nuevas formas de interrogar el mundo.

Bau Yahari lanzó la 
preventa de su nuevo libro

La pianista paraguaya Chiara D’Odorico, una de las intérpretes sudamericanas con mayor proyección internacional, ofrecerá un concierto gratuito dedicado íntegramente a la música académica de su país. El sábado 6 de junio, a las 20.30, el Teatro de la Ciudad será escenario de Paisajes del Paraguay, un concierto que propone un recorrido íntegro por la producción académica de compositores paraguayos, una tradición artística de enorme riqueza pero todavía poco difundida fuera de sus fronteras. La presentación forma parte del Ciclo de Grandes Conciertos de la Temporada 2026. Nacida en Asunción, Chiara D’Odorico comenzó a estudiar piano a los cuatro años bajo la guía de su madre, Miriam de D’Odorico. Con el tiempo perfeccionó su formación junto a reconocidos maestros como Bruno Gelber y Manuel Massone en Argentina, además de realizar estudios en Europa con destacados referentes de la interpretación pianística internacional. Hoy es considerada una de las artistas paraguayas con mayor proyección internacional. Su trayectoria incluye actuaciones en más de cuarenta países distribuidos en cinco continentes, con presentaciones en escenarios de América, Europa, África y Asia. Sin embargo, a diferencia de muchos intérpretes que orientan su carrera exclusivamente hacia el repertorio universal, D’Odorico eligió convertir la música paraguaya en una parte central de su identidad artística. Sus tres producciones discográficas -Purahéi che retãgua, Ofrenda a mi tierra y Añoranza- están dedicadas precisamente a la difusión del patrimonio musical académico paraguayo. El primero de ellos incluso fue nominado a los Premios Gardel como Mejor Álbum de Música Clásica. A lo largo de los años, la pianista presentó y estrenó obras de compositores paraguayos en numerosos escenarios internacionales, consolidándose como una verdadera embajadora cultural de su país. La visita a Formosa posee además un valor simbólico particular. Separadas por apenas unos kilómetros y un río, Paraguay y Formosa comparten una historia, una geografía y una sensibilidad cultural que muchas veces se expresa en la música. Sin embargo, gran parte de la producción académica paraguaya continúa siendo desconocida para el público de este lado de la frontera. Paisajes del Paraguay aparece entonces como una oportunidad para escuchar esas voces, esos autores y esas tradiciones musicales desde una mirada contemporánea y profundamente comprometida con la preservación del patrimonio cultural.

Chiara D’Odorico llega con los paisajes sonoros del Paraguay

El líder de Massacre habló con Día Seis sobre el impacto de Nueve, la evolución de la música argentina y la resistencia de una contracultura low frente a la velocidad del algoritmo. El romance entre Formosa y Massacre suma un nuevo capítulo. La banda liderada por el icónico Walas e integrada por Pablo Mondello, Luciano Facio, Federico Piskorz y Carlos Carnota, regresa a la provincia el domingo 14 de junio, a las 21, en JBC Club, en lo que será su única presentación en toda la región del NEA. La noche promete ser un ritual completo de la cultura independiente: la apertura estará a cargo de los locales Luc A’ Laiv y el cierre quedará en manos de la DJ Flor Vainilla. Las entradas anticipadas ya están disponibles a través de AlPogo. Este desembarco —el quinto en territorio formoseño— no es una fecha más; consolida un vínculo de larga data, un puente directo entre el público local y una de las trayectorias más gigantescas del rock nacional. Pioneros absolutos del skate punk en Latinoamérica desde su nacimiento en 1986 como Massacre Palestina, la banda supo transmutar desde el underground más subterráneo hasta el mainstream sin perder un gramo de su espíritu rebelde. Hoy, consolidados como la referencia ineludible del rock alternativo, llegan con dos recientes Premios Gardel bajo el brazo (Mejor Álbum de Rock y Productor del Año) por Nueve, su noveno disco de estudio. Un trabajo de escala internacional grabado entre Buenos Aires, Brooklyn y Los Ángeles, producido por Gustavo Santaolalla, Héctor Castillo y Federico Piskorz. A días de pisar suelo formoseño, Walas dialogó en exclusiva con Día Seis sobre el éxito de Nueve, el presente de la música argentina, las nuevas generaciones y el desafío de sostener una identidad artística después de cuatro décadas de trayectoria. —Nacieron en 1986 como Massacre Palestina, en pleno auge del skate punk subterráneo, y terminaron compartiendo escenario con gigantes como los Ramones, Foo Fighters, Green Day e Iggy Pop. Mirando en retrospectiva, ¿en qué momento sintieron que ese sonido marginal y alternativo de los inicios logró romper la barrera del mainstream sin perder el espíritu rebelde? Walas: Cuando salió El Mamut, se alinearon los planetas, con Juanchi Baleiron como productor artístico, con las herramientas de nuestra discográfica, Tori como manager, buenas canciones y la entrada a los festivales. Siento que sin perder la identidad ni nuestra postura frente a la música. Pero siempre son las canciones que funcionan en el momento justo. Es una alquimia que no siempre se da aunque todos los artistas la busquemos. —El disco Nueve llegó después de casi una década sin un álbum de estudio. ¿Qué cambió en Walas y en Massacre durante ese tiempo, y qué refleja el disco de esta nueva etapa de la banda? W: Nosotros con cada disco intentamos experimentar caminos distintos. En este disco hay menos guitarras, lo trabajamos con 3 productores diferentes. Lo hicimos en diferentes etapas, lo compusimos en pandemia, y todo eso junto generan cambios también en lo personal. No podría sintetizar esos años tan particulares en pocas palabras. —¿Cómo fue la experiencia de grabar entre Buenos Aires, Brooklyn y Los Ángeles, y qué le aportó la mirada de un prócer como Gustavo Santaolalla a la identidad actual de Massacre? W: Creo que Gustavo dejó su sello personal en Mariposa sobre todo pero lo que sucede incluso con los feats es que todos terminan siendo Massacre, tenemos una identidad muy fuerte y hasta Vicentico, por ejemplo, con su impronta tan particular, también está incorporado a nuestro sonido y frecuencia. —Fueron pioneros del skate punk en Latinoamérica y hoy son una referencia del rock alternativo argentino. ¿Cómo ves la evolución de la escena musical desde aquellos años 80 hasta la actualidad? ¿Y qué te genera saber que después de tres décadas Massacre sigue siendo el puente que une al rock clásico con las nuevas expresiones de la cultura independiente? W: Argentina es un gran generador de talento en todos los niveles, culturales y hasta científicos. Hoy las nuevas recreaciones y géneros están rescatando la mirada al pasado, y eso es muy enriquecedor. Hubo creo yo un momento de estancamiento y que parecía que nada nuevo sucedía. Pero los géneros urbanos y durante la pandemia la cantidad de artistas emergentes aún dentro del Indie que surgieron, es llamativo. Creo que hay un gran semillero muy valioso entre las bandas o solistas nuevos, mucho futuro a pesar de los tiempos difíciles que estamos viviendo. De las crisis históricamente han surgido los movimientos artísticos revolucionarios. —Muchas de tus letras invitan a mirar la realidad desde otro lugar. En un contexto social tan acelerado y atravesado por las redes sociales, ¿qué creés que el rock todavía puede aportar como espacio de reflexión y libertad? W: Estamos inmersos en un sistema que te obliga a acelerar para visibilizarte y permanecer vigente, pero tengo esperanza en que un movimiento low emerja como contracultura, y la experiencia y la conexión humana en definitiva, es la que va a ser eternamente irreemplazable. A casi cuatro décadas de sus primeros pasos, Massacre sigue demostrando que la vigencia no pasa por adaptarse a las modas, sino por sostener una identidad propia. El 14 de junio, la banda vuelve a Formosa para reencontrarse con un público que la acompañó en distintas etapas de su historia. Será una nueva oportunidad para celebrar canciones, recorrido y una forma de entender la música que, como sostiene Walas, sigue encontrando en la experiencia compartida y en la conexión humana su mayor razón de ser. Las cartas están echadas: solo queda asegurar el lugar y dejarse llevar por la alquimia.

Walas: “La experiencia y la conexión humana van a ser eternamente irreemplazables”

El Sótano Cultural volverá a transformarse el fin de semana en uno de esos refugios para la escena alternativa local donde el rock todavía conserva algo ritual. Serán dos noches atravesadas por guitarras filosas, la energía del under y el espíritu inoxidable de bandas que siguen encontrando en el vivo su mejor territorio. La primera descarga llegará hoy viernes 15 de mayo, desde las 22 horas, con la presentación de Hermann, histórica voz de Mal Momento y una de las figuras más emblemáticas del punk rock argentino. Con décadas de escenario, himnos generacionales y una trayectoria ligada al under nacional, Hermann trae a Formosa un show cargado de energía, distorsión y canciones que siguen resonando dentro de la cultura punk argentina. La fecha contará además con la participación de las bandas locales Sueñan los Androides y Rompe Encantos, que abrirán la noche sumando sonidos propios y reforzando el movimiento independiente de la escena formoseña. Las entradas anticipadas pueden conseguirse en Otto Rock. Sábado de homenaje a Sumo y rock del litoral La intensidad continuará el sábado 16 de mayo, desde las 23 horas -puntual- con una noche que mezclará espíritu under, pogo y clásicos inoxidables del rock nacional. Desde Chaco llegará Circo Romano para ofrecer un show atravesado por la potencia y el sonido del Norte argentino, mientras que los locales Divididos por la Felicidad volverán a encender el legado de Sumo con una presentación cargada de caos, irreverencia y canciones que ya forman parte de la historia grande del rock nacional. Más que un simple tributo, la propuesta recupera el espíritu visceral de la banda liderada por Luca Prodan: una mezcla explosiva de post punk, reggae, rock y descontrol escénico que todavía sigue convocando generaciones. Las entradas para esta fecha tendrán un valor de 8 mil pesos y se venderán únicamente en puerta. Con propuestas que van del punk al rock alternativo y del homenaje a Sumo a las nuevas escenas regionales, El Sótano Cultural vuelve a consolidarse como uno de los espacios fundamentales para la música independiente en Formosa, sosteniendo algo esencial: el encuentro físico entre bandas, público y escena local. Fechas pequeñas, cercanas y autogestivas que mantienen viva una forma de vivir la música desde la intensidad colectiva y el contacto directo con el escenario. Una noche para ir al Sótano y entregarse al rock.

Fin de semana de rock, pogo y espíritu under en El Sótano Cultural

Hay proyectos culturales que nacen como una apuesta pequeña, casi íntima, y terminan convirtiéndose en una celebración colectiva imposible de ignorar. Algo de eso sucede con La Formoseñada, el encuentro que en apenas cuatro ediciones pasó de ser un festival musical a transformarse en uno de los movimientos culturales más diversos de la provincia. Del 31 de julio al 2 de agosto, los Galpones C y G del Paseo Costanero volverán a llenarse de música, danza, teatro, cine, literatura, fotografía, arte plástico, gastronomía y ferias culturales en una programación que promete reunir a cientos de artistas y miles de espectadores durante tres jornadas atravesadas por la identidad formoseña.&nbsp; Lo que comenzó en el 2023 como un encuentro musical en el Teatro de la Ciudad, hoy se desborda de talento y necesita los dos galpones culturales y el predio ferial de la costanera para contener tanto arte. El anuncio fue realizado por el músico y cantante Darío Krimer, impulsor de esta propuesta que ya logró instalarse como una cita obligada dentro de la agenda cultural provincial y que este año redobla su escala con el acompañamiento del Gobierno provincial, organismos culturales, instituciones educativas y empresas privadas. La Formoseñada no funciona solamente como un festival, sino como una fotografía viva de la cultura formoseña contemporánea. Krimer destacó el impacto que tuvo la edición pasada gracias a la cobertura del canal de streaming Angaú Play, que volverá a transmitir el evento junto al Instituto Superior del Profesorado de Arte de Formosa y la sede NEA de la ENERC. La apuesta es seguir fortaleciendo el perfil regional del encuentro sin perder la raíz local que le dio origen. La edición 2026 volverá a desplegar una programación múltiple que incluirá proyecciones cinematográficas, funciones teatrales, exposiciones plásticas y fotográficas, feria gastronómica y espacios para artesanos y emprendedores. Entre los artistas y grupos confirmados aparecen el Coro Gospel, la Camerata Formosa, Formar Arpegios, el Ballet Raíz Provinciana, la Academia Edén Rock, Las Voces del Camino, Qom Llalec, La Fórmula del Chamamé, Chamuyo Tango, Santos Amores, Nadia Escobar y Daniel Rojas, la Peña de Ñande Folk, Retumba Que Te Parió, La Sessesion, Ricardo Martínez, Piri Aráoz, Hirlando Montiel y delegaciones artísticas del interior provincial, entre muchos otros. La entrada, como en cada edición, será libre y gratuita. Un himno, un símbolo y una llama encendida Con los años, La Formoseñada también fue construyendo sus propios símbolos. El encuentro ya cuenta con un himno compuesto por Beto Salas y ahora suma además un nuevo logotipo diseñado por Alberto Alen, basada en una estética de collage digital. En esa misma línea aparece también La Flama, la estatuilla creada por el artista plástico Pablo Vacazur que desde el año pasado reconoce trayectorias culturales fundamentales de la provincia. “La hoja del pindó representa una llama distinta, como cada expresión cultural que mantiene encendida nuestra identidad”, explicó el artista. Este año serán homenajeadas figuras destacadas como Isaac Rojas por su aporte al teatro, Ezio Massa por el cine, Ema Cueñeri por la cultura qom, Lilo Domínguez en periodismo y Dante Aguirre en danza. También habrá homenajes póstumos a artistas formoseños recientemente fallecidos como Raúl Araujo, Carlos del Turco y Antonio Colman. Gran rifa solidaria Más allá de su crecimiento, Krimer insistió en remarcar algo esencial: La Formoseñada sigue siendo una construcción autogestiva sostenida por el trabajo colectivo y la colaboración de muchísimas personas. Por eso este año también se lanzó una gran rifa solidaria con 20 premios y un valor de 10 mil pesos por número, destinada a colaborar con la realización del festival. Los interesados en colaborar pueden contactarse vía WhatsApp al celular: 11624762382. En agosto, el río será testigo una vez más de que, cuando el arte se encuentra, Formosa late más fuerte.

La Formoseñada crece, se multiplica y ya 
late como un gran ritual cultural formoseño

Hay espacios que no se resignan a la lógica del consumo rápido, del aislamiento y de la indiferencia. Espacios donde todavía es posible sentarse a mirar una obra, compartir una película, discutir lo que duele y quedarse conversando después, en ronda, entre mesas, luces tenues y el rumor de una cantina abierta. Este fin de semana, el Centro Cultural Independiente La Mandinga vuelve a proponer justamente eso: arte para pensar, sentir, debatir y volver a encontrarnos, en tiempos donde los mandatos parecen asfixiarnos, la propuesta nos invita a pausar, mirar y, sobre todo, encontrarnos. Porque no se trata solo de ver una obra o una película; se trata de lo que pasa después. El patio y la cantina de La Mandinga esperan para transformar el silencio del espectador en la palabra compartida, construyendo comunidad entre charlas y reflexiones. La agenda de La Mandinga combina teatro y cine debate con temáticas profundamente atravesadas por el presente: los mandatos sociales que moldean identidades, las imposiciones económicas que colocan el mercado por encima del trabajo y las formas de un sistema que muchas veces parece expulsar lo humano de la escena cotidiana. La Clavelito: La reconstrucción de una identidad El sábado 16 de mayo, a las 21.30, volverá a presentarse La Clavelito - Una mujer hecha de retazos, el unipersonal protagonizado por Gabriela Zorrilla y dirigido por Violeta Zorrilla, luego de un estreno que dejó sala llena y fuertes repercusiones emocionales. La obra nace del entrenamiento actoral y de una búsqueda íntima: contar la historia de una mujer de 50 años que, enfrentada a sus propios recuerdos, empieza a desmontar las creencias y mandatos que la empujaron durante años a convertirse en una supuesta “mujer normal”. En ese recorrido aparecen voces, escenas y personajes de autores como Antón Chéjov, Griselda Gambaro, Federico García Lorca y Alejandro Urdapilleta, que regresan como ecos de una vida fragmentada. La protagonista arma y desarma su propia historia como quien junta piezas dispersas de un rompecabezas. Lo teatral se vuelve entonces memoria, confesión y pregunta: ¿cuánto de lo que somos fue realmente elegido?. Las entradas tienen un valor de 15 mil pesos, con promoción de dos por 20 mil. Las reservas pueden realizarse al 3704-413388 o a través del Instagram @laclavelito. El cine como trinchera colectiva La segunda propuesta llegará el domingo 17 de mayo, a las 18, con una nueva edición del ciclo de cine debate Solx No Se Nace, impulsado por un colectivo de psicólogas y artistas que desde hace tiempo viene construyendo espacios de encuentro y reflexión comunitaria. En esta oportunidad se proyectará la película Industria Argentina, dirigida por Ricardo Díaz Iacoponi, una historia ambientada en la crisis de 2002 que retrata el derrumbe de una fábrica de autopartes y la lucha de sus trabajadores frente al abandono patronal. La película sigue especialmente a Juan, un trabajador correntino que observa cómo el horizonte se vuelve cada vez más oscuro, y a Daniel, obrero histórico de la fábrica que termina convirtiéndose en referente de sus compañeros cuando el cierre parece inevitable. Frente a la amenaza del desempleo y la miseria, aparece una posibilidad colectiva: organizarse y sostener la producción a través de una cooperativa. Con actuaciones destacadas de Carlos Portaluppi, Cutuli, Aymará Rovera, Celina Font, Daniel Valenzuela, Manuel Vicente y Soledad Silveyra, el film evita los grandes artificios para contar una historia profundamente humana sobre la desesperanza, la dignidad y la resistencia. Desde la organización del ciclo contaron que el cine debate nació de “la necesidad imperiosa de volver a encontrarnos, de construir espacios donde el malestar pueda circular colectivamente y donde todavía sea posible imaginar otras formas de habitar el presente”. La actividad será a la gorra y las novedades del ciclo pueden seguirse en Instagram a través de @ciclodecine.fsa. Entre funciones, charlas y mesas compartidas, La Mandinga vuelve a recordarnos algo sencillo pero urgente: que el arte también puede ser refugio, pregunta y comunidad; es el pretexto perfecto para no sentirnos tan solos. &nbsp;

La Mandinga apuesta al encuentro 
con una agenda de teatro y cine social

Hay generaciones que recuerdan una época por los discos. Otras, por las películas. Los millennials, en cambio, muchas veces recuerdan su adolescencia por MTV. Por esas tardes de videoclips, por los compilados grabados en CDs vírgenes y por una mezcla imposible donde convivían Backstreet Boys, Linkin Park, Avril Lavigne y Limp Bizkit sin necesidad de pedir permiso. Sobre esa memoria afectiva se construye el fenómeno de The HITZ, la banda santafesina que convirtió la nostalgia dosmilera en una experiencia en vivo explosiva y que el sábado 9 de mayo regresará a Formosa para presentarse en el Sótano Cultural desde las 22 horas.&nbsp; El regreso al Sótano Cultural no será en solitario. La noche contará con la apertura de SundayGrunge, banda que preparará el terreno con los sonidos crudos de Seattle, completando una propuesta integral para los amantes de las guitarras. Entradas: Hook (avenida 25 de Mayo 383), Rock House, El Agite. Online: Plataforma Passline. Lejos de funcionar como una banda tributo convencional, The HITZ propone algo mucho más cercano a una fiesta generacional. Su repertorio es una curaduría de los años 90 y 2000 que amalgama géneros antes enfrentados: el nü metal, el pop punk y el mainstream más radial conviven sin fricciones en un show de 90 minutos.&nbsp; La trayectoria de la banda es un caso de estudio sobre cómo una lectura inteligente de la cultura pop puede transformar un hobby en un producto de exportación. El proyecto dio sus primeros pasos en enero de 2019 en Reconquista, Santa Fe. Lo que originalmente se planteó como una serie de presentaciones aisladas bajo el nombre de MTV Hitz, rápidamente desbordó las expectativas del circuito local. Martín Romero (voz), Mateo Zanel (guitarra), Tomás Benítez (bajo y coros) y Nicolás Menéndez (batería) lograron construir un espectáculo que dialoga directamente con una generación atravesada por la cultura pop de finales de los 90 y comienzos de los 2000. Y quizás allí reside buena parte del fenómeno: The HITZ no trabaja solamente sobre canciones, sino sobre recuerdos. Cada tema funciona como una cápsula emocional capaz de transportar al público a otra etapa de su vida.&nbsp; En escena, hay visuales renovadas, una puesta energética y una lectura contemporánea de canciones que siguen funcionando como himnos generacionales. La respuesta del público acompañó el crecimiento del proyecto: millones de reproducciones en redes sociales y una gira que ya recorrió Argentina, Chile, Paraguay y Uruguay consolidaron a la banda como uno de los fenómenos live más particulares del Cono Sur. En tiempos donde la nostalgia se convirtió casi en un lenguaje cultural propio, The HITZ entendió algo clave: volver al pasado también puede ser una forma de reencontrarse colectivamente en el presente.

Memoria pop y distorsión: El 
fenómeno The HITZ regresa al Sótano

El domingo 10 de mayo, a las 20 horas, el Centro Cultural Independiente La Mandinga abre sus puertas a Se necesita un cadáver, una pieza de Guillermo Montilla Santillán que explora los límites de la ambición a través del lente del humor negro. La nueva propuesta de La Chamullería es una comedia absurda y filosa donde la desesperación convierte lo impensado en rutina y el caos crece escena tras escena. La obra despliega una trama donde el absurdo es el rey. Un grupo de personajes necesita conseguir un cadáver. Y cuanto más intentan resolver el problema, más se hunden en una cadena de decisiones delirantes, moralmente dudosas y cada vez más caóticas. Lo macabro aparece atravesado por situaciones reconocibles, miserias humanas y personajes que terminan desbordados por sus propias contradicciones. Ahí está parte de la potencia de la propuesta: convertir lo absurdo en espejo. Porque detrás de los diálogos veloces, los enredos y las situaciones disparatadas, la obra deja flotando preguntas incómodas sobre la ambición, la desesperación y los límites éticos que muchas veces se vuelven flexibles cuando la necesidad aprieta. Y también apuesta por un territorio incómodo y liberador: el de la risa que aparece justo donde no debería. Sus personajes no son monstruos: son personas comunes intentando resolver algo imposible de la peor manera posible. La invitación al espectador es clara: reflexionar sobre la naturaleza humana y hasta dónde somos capaces de llegar cuando las circunstancias nos empujan al abismo, pero sin perder nunca el sentido del humor. La obra se presenta como una propuesta provocadora, ideal para quienes buscan en el teatro algo más que una simple distracción; una mirada crítica y profundamente humana sobre lo macabro que nos habita. La función también reafirma el movimiento que viene sosteniendo el teatro independiente formoseño, cada vez más dispuesto a explorar géneros menos convencionales y propuestas alejadas de la comodidad narrativa. Desde La Chamullería, el objetivo parece claro: construir una experiencia teatral intensa, cercana y sin solemnidad, donde el público pueda pasar de la carcajada a la incomodidad en cuestión de segundos. Porque en Se Necesita un Cadáver el humor nunca está completamente separado de la tragedia. Y esa mezcla -incómoda, absurda y profundamente humana- es precisamente lo que vuelve atractiva a la obra. Entradas anticipadas: $15.000. En puerta: $20.000. Promo anticipadas: 2 x $25.000. Reservas y consultas: 3704-586213 / 3704-589138. Más información en Instagram de La Chamullería.

La Chamullería lleva el humor negro al límite con Se Necesita un Cadáver

Después de El Fortín de los Caranchos no había demasiados caminos posibles: repetirse o romperse otra vez. Tincho Iza y Carlos Leyes eligieron la segunda opción. Y quizá por eso Frankenstein Caído aparece hoy como una de las apuestas teatrales más ambiciosas que haya dado la escena formoseña en los últimos años. No sólo por el despliegue técnico o por la dimensión de la producción, sino porque detrás del clásico de Mary Shelley late una pregunta incómoda y profundamente contemporánea: ¿qué hacemos con aquello que creamos y luego decidimos abandonar? La obra se estrena el sábado 9 de mayo en el Teatro de la Ciudad, a las 21 horas y llega precedida por una expectativa poco habitual para el circuito local. El fenómeno generado por la adaptación “fortinera” de Macbeth convirtió a la dupla Iza-Leyes en uno de los motores más inquietos del teatro regional. Pero lejos de quedarse en la fórmula del éxito, ahora avanzan hacia un territorio más oscuro, físico y existencial. Las entradas anticipadas se pueden adquirir vía online www.quieroyaeventos.ar o personalmente en el local de Hook (avenida 25 de mayo 383). Aquí no hay castillos góticos ni nostalgia por el cine clásico de terror. Frankenstein Caído trabaja desde otro lugar: el cuerpo vivo, la respiración compartida y la tensión emocional que sólo puede sostener el teatro cuando el artificio desaparece y queda el actor frente al espectador. “Quisimos devolverle a Frankenstein su peso humano. En el teatro, el monstruo es una construcción de cuerpos y respiración”, explica Tincho Iza, director y co-dramaturgo de la puesta. La frase funciona casi como una declaración estética. Porque en esta versión el horror no proviene del maquillaje ni del efecto visual, sino de algo mucho más reconocible: la soledad, el rechazo y la irresponsabilidad del creador frente a su propia obra. El monstruo somos nosotros En tiempos atravesados por inteligencias artificiales, algoritmos y tecnologías capaces de producir imágenes, voces y hasta emociones artificiales, la obra encuentra una resonancia inevitable con el presente. El Víctor Frankenstein que interpreta Lucas Ramírez ya no es sólo el científico obsesionado del siglo XIX. Se parece más a cualquier creador contemporáneo -un empresario tecnológico, un programador, un genetista- que avanza sobre sus posibilidades sin detenerse demasiado a pensar las consecuencias humanas. “Víctor ya no es solo un científico del siglo XIX; es el símbolo de cualquier creador que no mide consecuencias”, dice Ramírez. Y allí aparece uno de los grandes hallazgos de la puesta: la posibilidad de leer el mito desde la ansiedad tecnológica de 2026 sin perder la esencia trágica del relato original. La criatura, encarnada por Carlos Leyes, se transforma en algo más que un monstruo. Es el resultado del abandono. Una existencia creada para ser negada. Un cuerpo condenado a buscar afecto en un mundo que primero lo fabrica y después lo expulsa. Para construir ese recorrido, Leyes atravesó un año completo de preparación física y vocal. El personaje evoluciona desde el balbuceo primitivo hasta una lucidez amarga y casi filosófica. “Es uno de los trabajos más ricos que me tocó desarrollar; trabajamos las transiciones desde no saber hablar hasta ser un erudito”, cuenta el actor. El desafío no era sólo interpretar a la criatura, sino volverla humana sin domesticar su dolor. En medio de esa tensión aparece Elizabeth, interpretada por Mariana Capra, como un punto de equilibrio emocional dentro del caos. Su personaje funciona como refugio, pero también como recordatorio de que incluso en los universos más oscuros sigue existiendo una posibilidad de empatía.&nbsp; Un teatro que apuesta a lo grande La dimensión de Frankenstein Caído también se percibe en el trabajo técnico y visual que sostiene la puesta. La producción de Stampa Productora y Leyenda Contenidos Culturales armó un equipo que apuesta a una experiencia sensorial completa: el diseño sonoro envolvente de Alejandro Bogado, la iluminación de Omar Giménez, la escenografía de Cristian Vega y Patricia Velázquez y el universo visual desarrollado por Laura Borrini y Mauricio Bareiro construyen una atmósfera donde lo industrial, lo humano y lo monstruoso conviven en permanente tensión. El vestuario de Florencia Leyes acompaña esa lógica con una estética que evita la referencia clásica para instalarse en un tiempo ambiguo, casi posthumano. Nada parece pertenecer del todo al siglo XIX ni tampoco al futuro. Y justamente ahí radica parte de la potencia de la obra: Frankenstein Caído sucede en todos los tiempos posibles porque habla de algo que no deja de repetirse. La puesta también confirma algo que viene ocurriendo silenciosamente en la escena cultural formoseña: el teatro local dejó de pensar en pequeño. Ya no se trata solamente de producir obras “para la provincia”, sino de construir lenguajes propios capaces de dialogar con discusiones universales sin perder identidad territorial. Lo que propone Iza no es una adaptación escolar del clásico de Shelley. Es una relectura visceral donde el mito sirve para hablar del presente, del miedo al otro, de la soledad contemporánea y de una sociedad que consume vínculos descartables con la misma velocidad con la que produce tecnología. Volver a mirarnos En un contexto cultural atravesado por la fragmentación, las pantallas y el aislamiento, Frankenstein Caído también funciona como reivindicación del teatro como ceremonia colectiva. El espectador no asiste únicamente a una historia: participa de una experiencia física y emocional compartida con otros cuerpos presentes. Ahí aparece quizás la dimensión más política de la obra. Frente a un tiempo donde casi todo puede reproducirse digitalmente, el teatro insiste en algo irreemplazable: la fragilidad del aquí y ahora. Y acaso por eso el monstruo de Frankenstein sigue vivo dos siglos después. Porque continúa preguntándonos qué hacemos con aquello que no queremos mirar. Qué parte de nuestra propia monstruosidad decidimos esconder. Y cuánto dolor puede producir el abandono cuando quien abandona es, justamente, el creador.

Una criatura para estos tiempos: llega Frankenstein Caído

Entre biodiversidad, memoria y arte, la región chaqueña llega a La Rural para discutir modelos de desarrollo arraigados en el territorio y la identidad. El 5 de mayo, la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires será escenario de la charla-panel “Territorios que narran: Biodiversidad, cultura y futuro del Gran Chaco”. Una propuesta necesaria para pensar la región desde sus voces, sus comunidades y sus propias formas de habitar el mapa.&nbsp; La actividad es presentada por CAF –Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe-, junto a la Fundación Gran Chaco, celebrando los 25 años de presencia institucional del organismo en Argentina bajo el lema Crecemos juntos. Entendiendo que “la literatura y las narrativas culturales han sido históricamente una forma de interpretar los territorios, de construir identidades y de acercar al público general a los grandes debates ambientales de nuestro tiempo”, la cita será a las 17 horas en el stand de CAF (Pabellón Amarillo #1505) del Predio Ferial La Rural. En ese contexto, “el diálogo entre escritores, especialistas y organizaciones que trabajan en el territorio permite abrir nuevas miradas sobre el vínculo entre naturaleza, sociedad y futuro”. El objetivo central de este diálogo es visibilizar al Gran Chaco como una pieza clave para el equilibrio de América Latina. En un contexto donde la sustentabilidad suele reducirse a cifras globales, este panel pondrá el foco en las narrativas situadas: saberes comunitarios, prácticas productivas sostenibles y expresiones culturales que construyen sentido desde el monte y la comunidad, &nbsp;proponiendo nuevas formas de habitar el presente. La propuesta invita a reflexionar sobre cómo las historias que nacen en el territorio pueden contribuir a imaginar modelos de desarrollo más inclusivos y, sobre todo, profundamente arraigados en nuestra identidad regional. Voces de nuestra tierra El panel reunirá a referentes con un profundo trabajo territorial: Agustín Noriega: Especialista en desarrollo territorial y miembro de Redes Chaco. Marcos Ramírez: Gestor formoseño y referente de la escena cultural regional. Norma Rodríguez: Presidenta de la Cooperativa de Mujeres Artesanas del Gran Chaco (COMAR). Moderación: Alejandro Salamon (CAF). La fuerte presencia formoseña en este panel refleja el crecimiento de las redes culturales y comunitarias del Norte argentino. Desde la música y las artesanías hasta la producción colectiva, el Gran Chaco demuestra que es capaz de producir sus propios relatos y disputar sentidos sobre el futuro. En tiempos atravesados por la crisis climática y las discusiones sobre recursos naturales, la región vuelve a aparecer no solo como una reserva de biodiversidad, sino como un espacio donde sobreviven otras maneras de entender el vínculo entre comunidad, producción y territorio.

El Gran Chaco toma la palabra en la Feria del Libro de Buenos Aires

Ácido Argentino, la obra cumbre de Hermética, no solo es el disco más emblemático del metal pesado en nuestro país, sino una radiografía cruda de la Argentina de finales del siglo XX. Lanzado en 1991, es el segundo álbum de estudio de Hermética, cuyas canciones se convirtieron en himnos del metal argentino. A 35 años de su lanzamiento, el álbum sigue siendo una referencia inevitable del heavy metal nacional y volverá a tronar con fuerza el 2 de mayo en nuestra ciudad, cuando La H No Murió se presente en el Club Sol de América. La apertura del concierto estará a cargo de Manto Negro, la formación de metal que mejor representa la identidad de frontera en la región del NEA. La H No Murió tiene una importancia muy particular dentro de la cultura metalera argentina porque funciona como un puente entre generaciones y como una forma de mantener vivo el legado de Hermética, considerada por muchos la banda más influyente del metal nacional. El proyecto nació encabezado por Claudio O’Connor y Claudio Strunz, ambos exintegrantes de Hermética, junto a músicos invitados. Más que una “banda tributo”, La H No Murió se convirtió en una celebración colectiva de una etapa fundamental del metal argentino. La gira aniversario no aparece como un simple ejercicio de nostalgia. Por el contrario, funciona como una reafirmación de la vigencia de un disco que atravesó generaciones con letras crudas, sonido pesado y una mirada profundamente ligada a la realidad social argentina. Publicado en 1991, Ácido Argentino se convirtió con el tiempo en una de las obras más influyentes del metal latinoamericano y consolidó a Hermética como la banda más representativa del heavy metal nacional. En ese contexto, La H No Murió ocupa un lugar especial dentro de la escena. Su propuesta mantiene viva la llama del repertorio de la mítica banda, posicionándose como una reafirmación estética y política. En 1991, el disco introdujo una lírica que abandonaba los clichés del género para abrazar una narrativa ligada a la realidad del trabajador, el conflicto social y la resistencia cultural. Hoy, ese mensaje no ha perdido gramaje. El fenómeno de convocatoria que rodea a las presentaciones de La H No Murió demuestra que las nuevas generaciones han adoptado esos himnos como propios, encontrando en ellos una potencia interpretativa que sigue interpelando el presente. La noche en el Club Sol de América tendrá un condimento especial que nos toca de cerca. La apertura del fuego estará a cargo de Manto Negro, un verdadero estandarte del metal regional. La inclusión de la banda clorindense/paraguaya como soporte no es un dato menor en el análisis cultural. Manto Negro, con su propuesta de metal técnico y compromiso territorial, representa la vitalidad de una escena que se construye desde la periferia. Su participación marca el sentido federal del encuentro: el cruce entre la historia grande del metal nacional y la fuerza de las bandas que sostienen la cultura pesada desde el interior profundo y los límites fronterizos. Treinta y cinco años después, Ácido Argentino sigue demostrando que algunas obras no pertenecen solamente a una época. Permanecen. Y en Formosa volverán a sonar como si el tiempo nunca hubiera pasado.

Ácido Argentino: El pulso social
del metal vuelve a latir en Formosa

En Casa de Artista, de Gloria Polo se inaugura la muestra colectiva titulada Bienvenida al Otoño. No solo es una exposición de arte, sino un manifiesto sobre el tiempo en una ciudad como la nuestra, donde el calor suele dictar el ritmo de los días y el Otoño a veces se percibe como un susurro, una transición casi invisible entre el rigor del Verano y la espera del Invierno. Casa de Artista invita a celebrar ese cambio de estación con una propuesta multidisciplinaria que promete encender los colores de la calma. La cita es el sábado 25 de abril a las 19 horas en el espacio cultural de Rómulo Amadey 1508.&nbsp; En esta nueva temporada, la Casa se abre para hacer honor a esos matices amarillos, naranjas y marrones que, aunque sutiles en nuestro paisaje formoseño, cargan de significado el final del ciclo estival. La muestra reúne un heterogéneo y talentoso grupo de artistas que, desde diversas disciplinas, dialogan con la temática de la temporada: Álvaro Brítez, Luis Benítez, y la dupla de Martín Polo &amp; Agustina Bobadilla (fotografía), Sofía Delturco, Lagloria, Juan Esteban López, Ana Clara Martorelli, Fernando Polo, Lili Polo, Lillyan Noriega y Pablo Valdez (pintura), y Scannapieco, en grabado, y Rocío Deniz aportando desde la pintura y el arte textil. Cada obra parece responder a una misma pregunta sin formularla: ¿qué queda cuando algo se transforma? Y la respuesta no aparece como certeza, sino como atmósfera. Hay tonos cálidos que remiten a hojas caídas, texturas que evocan desgaste, imágenes que parecen suspendidas en un tiempo intermedio. El texto curatorial, firmado por Alejandro Martín Polo, propone una lectura íntima: el otoño como transición no es una carencia, sino una forma de belleza. Una pausa cargada de sentido. “Todas las mejores cosas de la vida son -desde mi perspectiva- una transición”, escribe, y en esa línea se entiende la muestra como un gesto: abrir una temporada no desde lo definitivo, sino desde lo que está en proceso. En ese cruce entre lo que termina y lo que empieza, Bienvenida al Otoño no busca explicar la estación. La deja ser. Como una transformación que no hace ruido pero cambia todo. Porque a veces lo más importante no es llegar, sino ese instante en el que todavía no somos del todo lo que vamos a ser. Es una oportunidad para encontrarnos en el refugio del arte y reflexionar sobre nuestras propias transiciones mientras habitamos un espacio que ya es referencia de la cultura autogestiva local.

Día Seis

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Bienvenida al Otoño en Casa de Artista