En Casa de Artista, de Gloria Polo se inaugura la muestra colectiva titulada Bienvenida al Otoño. No solo es una exposición de arte, sino un manifiesto sobre el tiempo en una ciudad como la nuestra, donde el calor suele dictar el ritmo de los días y el Otoño a veces se percibe como un susurro, una transición casi invisible entre el rigor del Verano y la espera del Invierno. Casa de Artista invita a celebrar ese cambio de estación con una propuesta multidisciplinaria que promete encender los colores de la calma. La cita es el sábado 25 de abril a las 19 horas en el espacio cultural de Rómulo Amadey 1508.&nbsp; En esta nueva temporada, la Casa se abre para hacer honor a esos matices amarillos, naranjas y marrones que, aunque sutiles en nuestro paisaje formoseño, cargan de significado el final del ciclo estival. La muestra reúne un heterogéneo y talentoso grupo de artistas que, desde diversas disciplinas, dialogan con la temática de la temporada: Álvaro Brítez, Luis Benítez, y la dupla de Martín Polo &amp; Agustina Bobadilla (fotografía), Sofía Delturco, Lagloria, Juan Esteban López, Ana Clara Martorelli, Fernando Polo, Lili Polo, Lillyan Noriega y Pablo Valdez (pintura), y Scannapieco, en grabado, y Rocío Deniz aportando desde la pintura y el arte textil. Cada obra parece responder a una misma pregunta sin formularla: ¿qué queda cuando algo se transforma? Y la respuesta no aparece como certeza, sino como atmósfera. Hay tonos cálidos que remiten a hojas caídas, texturas que evocan desgaste, imágenes que parecen suspendidas en un tiempo intermedio. El texto curatorial, firmado por Alejandro Martín Polo, propone una lectura íntima: el otoño como transición no es una carencia, sino una forma de belleza. Una pausa cargada de sentido. “Todas las mejores cosas de la vida son -desde mi perspectiva- una transición”, escribe, y en esa línea se entiende la muestra como un gesto: abrir una temporada no desde lo definitivo, sino desde lo que está en proceso. En ese cruce entre lo que termina y lo que empieza, Bienvenida al Otoño no busca explicar la estación. La deja ser. Como una transformación que no hace ruido pero cambia todo. Porque a veces lo más importante no es llegar, sino ese instante en el que todavía no somos del todo lo que vamos a ser. Es una oportunidad para encontrarnos en el refugio del arte y reflexionar sobre nuestras propias transiciones mientras habitamos un espacio que ya es referencia de la cultura autogestiva local.

Bienvenida al Otoño
en Casa de Artista

Ácido Argentino, de Hermética, es un disco que no envejece y a 35 años de su aparición, ese manifiesto sonoro vuelve a ponerse en el centro de la escena con una gira que no apela a la nostalgia sino a la vigencia. Y en ese recorrido, Formosa tendrá su capítulo: el 2 de mayo La H No Murió -la emblemática banda que rinde homenaje a Hermética, histórica agrupación fundacional del heavy metal argentino- se presentará en el Club Sol de América para celebrar uno de los álbumes que marcó a toda una generación. No es un regreso más. Es, para muchos, una ceremonia. Porque Ácido Argentino -editado en 1991- no solo consolidó el sonido de Hermética: también trazó una forma de decir, de pararse frente a la realidad, de construir identidad desde los márgenes. Crudo, directo, incómodo. Platino en ventas y eterno en influencia, el disco se convirtió en una piedra angular para entender el pulso del metal en Argentina. En ese legado se inscribe La H No Murió, proyecto que reúne a nombres fundamentales de aquella historia. Con Claudio O’Connor en la voz y Tano Romano en guitarra -dos piezas originales de Hermética-, la formación se completa con Karlos Cuadrado (bajo) y Javier Rubio (batería). Juntos, no reconstruyen: reactivan. El repertorio incluye la interpretación completa del álbum, sumando clásicos que siguen funcionando como himnos de resistencia. El paso por Formosa se anticipa como un punto alto dentro de una gira que también recorrerá escenarios de Latinoamérica y Europa. Hay, además, un guiño que eleva la expectativa: la confirmación de que compartirán cartel con Iron Maiden en dos fechas en el Estadio Tomás Adolfo Ducó, un cruce que conecta generaciones y geografías bajo una misma intensidad. Las entradas anticipadas ya están disponibles en Rock House (Belgrano 602) y a través de la plataforma Paseshow, con la posibilidad de financiación. Pero más allá de la logística, lo que se activa es otra cosa: la posibilidad de volver a un sonido que no se apaga, que todavía interpela. Treinta y cinco años después, Ácido Argentino no es solo un aniversario. Es una reafirmación. Porque pasan los años, cambian las modas, pero una cosa es segura: La H no murió.

La H No Murió vuelve a Formosa
para celebrar 35 años de Ácido Argentino

El corazón del Lote 4 se convertirá hoy en el epicentro de la música popular. El Quincho/Peña de Formosa abre sus puertas para recibir a dos propuestas que, desde la innovación, honran nuestras raíces: Chechelos y el talentoso Federico Baldús. La noche promete ser un viaje sonoro desde el violonchelo criollo hasta el folklore psicodélico. Viernes 17 de abril, a las 21 horas, en Ramos Mejía 2155 (Lote 4). Entradas disponibles en Macowens (Peatonal Rivadavia 728) y Devré (Belgrano 655). CheChelos combina zambas, chacareras, chayas y vidalas con influencias del rock, la música clásica, el jazz y la improvisación. Al ser un estilo sin precedente en el instrumento protagonista, CheChelos crea sus técnicas propias y formas originales de reproducir las onomatopeyas rítmicas que caracterizan el folklore. Ramiro Zárate Gigli y Mauro Sarachian han logrado algo impensado: sacar al violonchelo de los conservatorios y llevarlo al centro del patio de tierra. Con su formato de power cuarteto (dos chelos, voces, bombo y guitarra), el dúo invita al baile frenético y al pañuelo al viento. Los chelistas salieron del conservatorio y el teatro para sumarse a la tradición folklórica y hacer bailar al compás de la música popular. Recorren Argentina e hicieron giras por España, Francia, Alemania, Bélgica, Inglaterra, Uruguay, Colombia y Paraguay. Federico Baldús y su Aurora El vocalista de Guauchos, Federico Baldús, con más de 30 años de camino recorrido, presentará oficialmente su disco solista Aurora. Tras explorar el pop en su EP anterior, Baldús se sumerge ahora en una sonoridad más íntima, luminosa y con tintes psicodélicos que reflejan su madurez como compositor. Acompañan a Federico: Paya Jure, en batería, bombo legüero y percusión, y Gastón Benítez, en guitarra, voces y programación. Además de los temas de su nuevo álbum, el show incluirá clásicos reversionados y la promesa de invitados sorpresa que representan lo mejor de la escena regional actual. No te podés perder la experiencia Chechelos, un show para saltar de la silla y descubrir cómo un instrumento clásico puede ser festivo como una guitarra; la oportunidad de escuchar Aurora y conocer en vivo el universo más personal de Federico Baldús, uno de los artistas más influyentes del NEA, y conocer Quincho/Peña, el nuevo espacio cultural del barrio Villa Jardín.

Chechelos y Federico Baldús 
abren el Quincho Peña

Una guitarra suena. Al lado, un dibujo nace en tiempo real. Las canciones se vuelven imágenes y las imágenes, relatos. Desde hace más de una década y media, Kevin Johansen y Liniers han construido un tercer lenguaje: uno donde los acordes de la guitarra acústica y los trazos de los pinceles sobre el papel se entrelazan para contar una misma historia. No es solo un recital, ni tampoco una sesión de dibujo en vivo; es una declaración de principios a favor de lo humano, de lo imperfecto y de la sorpresa. En tiempos donde una canción puede ser generada por inteligencia artificial y un dibujo replicado hasta el infinito, ellos apuestan a lo contrario: el error, el trazo imperfecto y la guitarra sin filtros. Un refugio artesanal en una era dominada por la frialdad del algoritmo.&nbsp; Kevin Andrew Johansen, cantante y compositor argentino—estadounidense, que mezcla la música popular del país y América con el rock alternativo y el pop estadounidense, fusionándolos en un estilo que él mismo ha llamado desgenerado, y Ricardo Liniers Siri, historietista, ilustrador, pintor y editor conocido por ser el autor de Macanudo, llegan a Formosa y se presentarán&nbsp; el 23 de abril en el centro cultural La Mandinga. Antes de su desembarco, Día Seis tomó contacto con los artistas para conocer más de ese territorio compartido donde el arte sucede sin red. Reflexionan sobre la mística de sus 15 años de sociedad, el valor de lo humano en el arte, el vínculo entre música e ilustración y esa experiencia irrepetible que sólo ocurre en vivo.&nbsp; —Kevin, en el disco Sur o no Sur, Formosa aparece en una canción como una promesa improbable: una casa para Daisy en medio de una milonga. Años después, esa geografía imaginada se vuelve real. ¿Fue una rima o hay un recuerdo real detrás de ese refugio imaginario? —KEVIN JOHANSEN: Bueno, respecto a esa frase, habría que preguntarle al que hizo ese gran monólogo improvisado, el actor Damián Dreizick. Quedó así la impronta porque la idea era una milonguita criolla en base a una persona trans, con empatía absoluta, algo que sigue muy vigente en la canción. El detalle de la casa en Formosa es absoluta casualidad y una ocurrencia risueña de Dreizick... capaz que tiene parientes, capaz hay alguna conexión. Nada es casual, y yo sé que uno de los primeros lugares al que yo llegué con mi música fue, justamente, Formosa. —Hace más de 15 años que trabajan juntos. ¿Qué aprendieron del lenguaje del otro? —K.J.: Yo creo que aprendimos, tanto Liniers como yo, con la fluidez de la amistad, de la complicidad, y también saber el lugar de cada uno naturalmente, ¿no? Fue algo gradual, él empezó haciendo un mural de espaldas, afiches, tapas de discos... hasta el formato actual. Y la verdad, creo que el crecimiento fue muy a la par de, en mi caso, de entender que la parte visual tenía una atracción innegable y que yo pasaba visualmente a un segundo plano, lo cual me encanta personalmente. —LINIERS: Lo que más aprendí de Kevin es el escenario, cómo soy yo en un escenario, cómo trabajar con esa adrenalina, con ese tiempo acotado, con gente mirándome. Yo nunca me hubiera subido a un escenario por mi cuenta si Kevin no me hubiese invitado a subirme. Ahora incluso, cuando hago cosas solo, muchas veces invito a amigos. Necesito esa complicidad, un amigo que esté ahí para cuando yo empiezo a despistar. Y sobre la conexión entre el pincel y la guitarra, supongo que más allá de las lecturas freudianas que se les puede hacer a los dos, supongo que las guitarras a veces pintan colores y los pinceles ritmos. —Llegan con Desde que te Madrid, un registro en vivo. ¿Qué tiene el vivo que sigue siendo irreemplazable incluso hoy? —K.J.: La grabación en vivo fue una cosa lógica, terminar una gira justo en Madrid, donde tenemos amigos y colegas, como Drexler, o como Las Migas, que habían participado también en el disco anterior de estudio, Quiero Mejor. Así que fue como una cosa natural y orgánica. Fue nuestro primer disco en vivo así: yo solo con mis guitarras y él solo con sus pinceles, haciendo historietas en cada canción del disco, fue un plus absoluto. —L: El vivo tiene algo cada vez más valioso: humanidad. No hay muchas computadoras entre nosotros y lo que hacemos. La guitarra de Kevin es acústica, no usa autotune; yo pinto con acrílicos y pasteles. Es como como que volvemos a esa base, ahora que está todo tan con inteligencia artificial metido por todos lados, y ya no sabemos qué es lo que vemos, qué es real o no. Un show en vivo es cien por ciento real; lo que pasa, pasa ahí, pasa esa noche, si estás ahí compartiste esa experiencia, y la gente agradece eso. —El libro Es nuestra forma de comunicarnos pone en palabras y en imágenes el vínculo creativo que los une. ¿Qué pudieron decir ahí que arriba del escenario no aparece? —K.J: El libro es nuestra forma de comunicarnos. De alguna manera, ilustra el disco en un formato como de single; están todos los temas del disco en vivo, cada canción tiene su historieta. Es como otra forma de escuchar ese material. —L: El libro surgió un poco cuando surgió el disco, lo que yo hacía en el escenario no se escuchaba, entonces le dije a Kevin que le iba a llenar el disco de dibujos. Así que dibujé todas las canciones que cantó en ese recital en Madrid, en el disco entraron algunas, en el CD entraron un poco más, pero en el libro pusimos todas. Para la gente que no tenga un tocadiscos o un CD y quiera tener las canciones en su casa, están en el libro; es un libro imposible de leer sin cantar en tu cabeza las canciones. Incluso en silencio, tiene música. —En esta era de algoritmos e Inteligencia Artificial, ustedes proponen algo radicalmente artesanal. ¿El “error” en vivo (el pifie o la mancha) es hoy la última frontera de lo que nos hace verdaderamente humanos? —K.J.: Los errores siempre están. Están en el estudio, están en cualquier taller de arte, y muchas veces los accidentes, como decía Robert Altman, el famoso director, son las mejores partes, o eran las mejores partes de su película. A veces, uno escucha grabaciones de los Beatles y hay pifies. Imagínense qué nos queda a los demás. —L: Yo estoy muy a favor del error, de pintar por afuera de la raya. Cuando Kevin se olvida de alguna canción, en algún momento la gente se pone feliz. Cuando uno busca una obra de arte, no creo que busquemos la perfección, si no todos estaríamos mirando Capilla Sixtina y escuchando Beethoven. Uno busca humanidad en el arte, una experiencia humana, y entonces escuchamos a Los Ramones y leemos historietas y un montón de cosas en donde nos interesa más la persona que está atrás de esa obra. La música de Charly García sin Charly García, no sé si es interesante. Ahora con la inteligencia artificial podemos hacer que Charly cante canciones de Radiohead, ¿quién quiere eso? Yo estoy feliz con que Charly cante las de Charly y Thom Yorke las de Radiohead. Entonces, creo que lo que buscamos es humanidad en el arte. Por un tiempito la inteligencia artificial es como un truco de fiesta, que te dicen mirá hicieron Volver al futuro 4 con IA, nos acostumbramos rápido porque es estética pero berreta y la berretada está marcada por la falta de humanidad, nos parece como una especie de fotocopia del arte, y no nos gusta la fotocopia, nos gusta el arte, como decía el gran Juancito: me gusta el arte. —Viajan por el mundo construyendo pequeños mundos en cada escenario. Cuando las luces se apagan y guardan los pinceles y la guitarra... ¿qué es eso que no cabe en ninguna valija, que no se puede editar en un libro ni grabar en un disco, y que es lo único que les confirma que el viaje sigue valiendo la pena? —KJ: Hay una famosa frase de Tom Waits que decía “ir de gira no es viajar”. Como que ir de gira no es hacer turismo, porque a veces estás un día en cada lugar y a través de la gente que se te acerca, los que te reciben, que suelen estar en el área de la Cultura, te recomiendan un museo, un lugar rico para comer, un lugar lindo para pasear. Y, entonces, termina siendo un poco como como decía el gran Rubén Albarrán, de Café Tacuba: “Nos invitan a lugares lindos, comemos rico, nos tratan bien, ¡qué más queremos!”. Un poco es eso, ¿no? El destino de viajar es conocer los lugares a través de la gente. —L: Creo que tanto Kevin como yo tenemos como medio alma de Marco Polo. Kevin seguramente por su infancia tan trashumante que iba de ciudad en ciudad y de país en país, y yo por la falta de eso, por vivir en Buenos Aires y sentir que quería ver el resto del mundo. Así que claramente los dos disfrutamos mucho viajar, y más uno viaja más se encuentran similitudes entre todos nosotros. Todos ganamos y perdemos de la misma manera. Nos enamoramos, votamos por políticos corruptos, nos gusta comer torta y que alguna película esté bien hecha. Somos todos muy muy parecidos y me parece que es sano eso, que las xenofobias y las sensaciones de que el tipo que piensa un poquito diferente en algo político o en una idea económica no es el fin del mundo o que es de otro equipo de fútbol. Los últimos mundiales cada vez más me pongo contento porque gana algún equipo donde tengo amigos, México, Costa Rica, Brasil —salvo que nos ganen a nosotros—. Pero si juega Brasil contra Hungría, no conozco a nadie en Hungría así que querría que gane Brasil. Me parece que hace bien viajar si uno tiene la suerte de poder hacerlo. Es algo que es caro a veces, a veces no es tan caro. Ponerse una mochila, comprarse unos buenos zapatos y salir a caminar hasta donde se llegue, siempre va a ser bien. Se trata de personas el planeta, así que mientras más personas juntemos y más diferentes seamos, sean esas personas más parecidas nos vamos a encontrar. Un show donde todo sucede en presente En escena, no hay red. Una guitarra, un escritorio, hojas en blanco. Canciones que se transforman en dibujos y dibujos que acompañan la música en tiempo real. Este 23 de abril, la “casa en Formosa” abre sus puertas para recibir una alquimia que, después de 15 años, sigue siendo tan fresca como el primer dibujo. En tiempos de algoritmos, Kevin Johansen y Ricardo Liniers Siri proponen algo simple y, a la vez, radical: estar ahí. Porque, como dicen, lo más valioso —todavía— no se puede editar, ni replicar, ni automatizar. Una cita imperdible para quienes todavía creen que el arte, con todos sus pifies y manchas, es lo único que nos salva de la fotocopia.

La alquimia de lo real: Kevin Johansen & 
Liniers, un viaje entre el trazo y la canción

El 26 de abril es el Día Internacional de la Danza y para festejar el estudio Ballare llevará a cabo una nueva edición de Celebramos la Danza. Esta propuesta integral, que combina formación profesional y presentaciones en vivo, se desarrollará durante el fin de semana del sábado 25 y domingo 26 de abril. El evento coincide además con un hito especial para la institución anfitriona, ya que Ballare festeja su 13.º aniversario de trayectoria en la enseñanza y producción artística en Formosa. La primera jornada, el sábado 25 en el estudio Ballare (avenida 25 de Mayo 1329, 1er piso) estará dedicada exclusivamente a la capacitación de docentes, bailarines y gestores culturales. El objetivo es brindar herramientas concretas para el trabajo cotidiano en el aula y el escenario, abordando tres ejes fundamentales: Producción y gestión: Natalia Carabajal, enfocado en la organización de proyectos en danza. Seguridad en el espacio: Protocolos de actuación ante situaciones críticas, dictado por el Cuerpo de Bomberos de la Policía de la provincia. Salud y prevención: Primeros auxilios ante emergencias físicas durante la clase, a cargo de profesionales de la salud. El domingo 26, la danza toma la escena con una función colectiva en el Teatro de la Ciudad buscando poner en valor el trabajo conjunto de la comunidad artística local. Con Ballare como anfitrión, el escenario recibirá a destacados estudios y espacios de formación de la provincia, promoviendo la convivencia de diversos lenguajes de movimiento. Entre las instituciones participantes se encuentran: el Centro Polivalente de Arte, Academia María Cristina Capra, Amarain Estudio de Danza, Carmesí Arte y Movimiento, Danzarte Centro de Arte y Producción, Sa’yJú Academia de Danzas, De Zero Danza, Narella, Najla y En Avant Estudios de Danzas, Polideportivo Social y Cultural La Paz y MN Show Dance. Contacto e inscripciones: 370-5010118. 13 años de Ballare Más allá de la agenda puntual del evento, esta edición de Celebramos la Danza tiene un significado especial: el 13.º aniversario de Ballare - Estudio de Danzas. Desde su fundación, el espacio es un referente ineludible para el sector artístico local. A lo largo de estos trece años, Ballare no solo se ha limitado a la enseñanza técnica de la danza, sino que se ha consolidado como un centro dedicado a la creación y la producción integral. Su enfoque principal se sostiene en tres pilares que han marcado su evolución: Desarrollo técnico: La búsqueda constante de la excelencia en la ejecución del movimiento. Cuidado integral: El abordaje de la danza desde el respeto y la preservación del cuerpo. Construcción de trayectorias: El impulso a los alumnos y profesionales para proyectar su carrera dentro y fuera de la provincia. A través de iniciativas como la que se presenta este 25 y 26 de abril, el estudio demuestra su intención de fortalecer el sector mediante la profesionalización. Para Ballare, celebrar la danza implica generar oportunidades de encuentro, aprendizaje y proyección que involucren a toda la comunidad artística local, fomentando el crecimiento del arte desde la colaboración y el respeto mutuo. Esta trayectoria de más de una década reafirma su compromiso con la ciudad de Formosa, posicionándose como un actor clave en la gestión cultural independiente de la región.

Formosa celebra la danza con formación y escena colectiva

Llega a la ciudad una propuesta que promete redefinir la experiencia de la peña folklórica. Bajo el nombre Rincón Legüero, este nuevo ciclo nace con una premisa clara: ser un espacio para las canciones largas, para mirarse a los ojos y para dejar que la guitarra se quede. La cita inaugural es el sábado 11 de abril, a partir de las 22 horas, en el emblemático Sótano Cultural. La primera noche de Rincón Legüero contará con una selección de artistas que garantizan calidad y emoción: Germán Kalber, llegando desde Resistencia, Chaco, el reconocido cantautor y guitarrista traerá su impronta y su vasto repertorio; Lea Colman, conocido &nbsp;por su destacada participación en La Voz Argentina 2025, sumará su potente y emotiva voz a la propuesta; Herencia Ledesma, representando el canto joven, el dúo aportará la frescura de las nuevas generaciones de folkloristas, y Ema Benítez, artista emergente que completa esta variada y prometedora grilla. La gran diferencia de Rincón Legüero es su enfoque post-espectáculo. La organización invita a un folklore íntimo, voces que se cruzan y músicas que cuando termina el escenario sigue sonando. Al final de las presentaciones se dará paso a una gran guitarreada espontánea como tiene que ser. Reservá tu lugar (capacidad limitada). Entrada general: $10.000 (con precinto). Mesas (aparte): $30.000. Puntos de Venta: avenida González Lelong 348 (en horario comercial). Consultas y reservas: WhatsApp al +54 9 3705 22-9565.

Rincón Legüero: El nuevo 
refugio del folklore íntimo

Hay obras que no buscan contar la historia sino habitarla. La Pulpera de Santa Lucía - Leyenda sobre la dramática Buenos Ayres de 1840 es una de ellas. El drama histórico que revisita la Argentina de 1840 con estética shakespeareana y alma criolla subirá a escena por primera vez en Formosa y lo hará en el centro cultural independiente La Mandinga, el sábado 11 de abril, a las 21 horas. La ciudad que la obra recrea no tiene calles apacibles. Es la Buenos Ayres sitiada por el terror, gobernada por el miedo que irradia la Mazorca -la fuerza parapolicial del rosismo- y sacudida por las sublevaciones unitarias que conspiran en los márgenes. En ese escenario convulso, donde la delación y el exilio son moneda corriente, regresa Facundo Larrazábal, el Unitario, con una misión secreta y con el deseo urgente de encontrar a Dionisia, la Pulpera de Santa Lucía, antes de que la historia los devore a ambos. La dramaturgia, idea y adaptación llevan la firma de Candela Belén Zubeldía, que además encarna a Dionisia con una presencia que no negocia intensidad. El elenco -Cecilia Brondolo, Eduardo Benítez, Lisandro Priori y el formoseño Thiago López Escobar- comparte un mismo pulso formativo: la Escuela de Teatro de Buenos Aires de Raúl Serrano y la Nueva Escuela de Teatro (.NET), con la guía de Salvador Amore. No es un dato menor. Hay una ética ahí. Un modo de hacer. Un entrenamiento que se nota. Lo que aparece en escena es el resultado de ese trabajo sostenido: una poética que no busca agradar sino construir. Sin atajos, sin concesiones. El Shakespeare criollo La propuesta se sostiene sobre un concepto fascinante: el Shakespeare criollo. La dramaturgia, apoyada en las bases del estilo shakespeareano, se pone al servicio del lirismo criollo, del verso y de la metáfora, remontándonos a los orígenes del teatro argentino. No se trata de copiar al bardo inglés, sino de entender que la Buenos Ayres decimonónica tenía su misma temperatura dramática. La compañía toma la estructura shakesperiana -el verso como vehículo, la metáfora como lenguaje y la densidad lírica- y la pone al servicio del barro rioplatense. Pasión, traición y muerte bajo un mismo fuego, pero en distinto cielo.&nbsp; El texto parte de la obra homónima de Carlos Max Viale y Héctor Pedro Blomberg, aquella que durante décadas circuló entre valses y radioteatros como una de las piezas más entrañables del cancionero popular argentino. Pero Zubeldía fue más lejos: incorporó la novela Amalia, de José Mármol, cancioneros federales y unitarios, poesía gauchesca, pinturas y documentos del siglo XIX, además de textos propios. El resultado es una dramaturgia original sostenida en esa doble herencia: la forma europea y el alma mestiza. El proceso de creación no fue liviano. Entre 2023 y 2024 hubo investigación, búsqueda, pruebas. En 2025, el recorrido incluyó espacios con peso histórico: el Museo Histórico Nacional, el Cabildo, la Casa del Bicentenario, el Museo Pampeano. Luego, una temporada a sala llena en el Palacio El Victorial. Y ahora, 2026, la ruta sigue. Formosa aparece en ese mapa como un punto necesario, no como una escala más. Hay algo más que vuelve potente a esta obra: su condición. Es teatro independiente en estado puro. Sin subsidios, sostenida a pulmón y con recursos propios, la obra demuestra que la economía de medios no significa pobreza estética. Al contrario: el diseño de vestuario, la escenografía y la música original de Daniel Espíndola logran esa alquimia necesaria para que el espectador sienta que, por una hora, el tiempo se ha detenido; el público no asiste a la historia, la habita junto a los actores. Este sábado, en La Mandinga, la Pulpera vuelve a abrir su mostrador y nosotros estamos invitados a pasar.

La Pulpera de Santa Lucía
el Shakespeare criollo llega a La Mandinga

Deficiente, la agrupación asuncena que viene agitando el avispero de la escena independiente, acaba de lanzar su segundo LP, Radio Defi, y el eco de su propuesta ya empezó a cruzar fronteras. Con una gira que los traerá a Formosa el 21 de marzo, la banda propone un viaje por diez estaciones donde el punk, el reggae y el rock mestizo se funden con la polca paraguaya y el jopará, creando una atmósfera tan urbana como visceral. La banda está integrada por Guillermo “Rata” Rasmussen (voz), Sebastián Arzen (guitarra y voz), Guillermo Guillen (bajo y sintetizador), José Alonso (guitarra), y Sigfredo Feldmann. Radio Defi no es solo un disco; es un artefacto cultural de 40 minutos que funciona como un dial imaginario. Grabado durante un 2025 de introspección y editado bajo su propio sello en enero de este año, el álbum evita los artilugios de los feats de moda para centrarse en lo genuino: historias de barrio, modismos locales y una fuerte carga política y social. El sonido del álbum logra una proeza técnica y artística, en gran parte gracias a la producción de Marcos Nde Ramírez y la mano maestra de un mito del rock latinoamericano: Mario Breuer. El ingeniero que moldeó los sonidos de Sumo, Charly García y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, puso su sello en la mezcla y el mastering, dándole a Deficiente esa pátina de profesionalismo internacional sin perder el “mugre” necesario del rock de garage. Lo que separa a Deficiente del resto es su capacidad de jugar con la identidad. En tracks como Hamaca Nacional, la banda abraza la sonoridad somnolienta y el realismo crudo con su frase icónica “siesta o muerte”. El disco también se anima a deconstruir los clásicos. En El Sol y la Luna, la banda realiza una revisión “deforme” y desencantada de las guaranias eternas, citando fragmentos de “Mis noches sin ti” o “Recuerdos de Ypacaraí”, pero pasándolos por el filtro de una mirada tercermundista y noventera. Fieles a la filosofía de la autogestión, Deficiente se lanzó a una gira regional que comenzó en San Lorenzo (PY) y recorrerá puntos clave del Paraguay y el litoral argentino. En Formosa, la cita es el sábado 21 de marzo en El Sótano Cultural, un espacio que se ha convertido en el refugio de las expresiones más potentes de nuestra ciudad. Será la oportunidad perfecta para ver cómo estas canciones, que nacieron en el asfalto de Asunción, resuenan en las paredes transpiradas de nuestra Formosa. Radio Defi ya está disponible en plataformas y es, por sobre todo, una invitación a no olvidar la memoria de un pueblo.PARA ESCUCHAR YouTube - Radio Defi

Deficiente sintoniza la frecuencia 
del rock regional con Radio Defi

¿Dónde están las feministas? La pregunta, lanzada a veces como chicana y otras como duda en tiempos de desmantelamiento estatal, tiene una respuesta contundente, sonora y visual. Y la respuesta no es un archivo, es un presente: Acá Estamos. El domingo, el centro cultural La Mandinga, en el barrio Fleming será el epicentro de la muestra federal que desafía el individualismo. Entre fotos, microrrelatos y sublimación en vivo, la Red Federal de Periodistas y Comunicadoras Feministas desembarca en Formosa para decir que, frente al ajuste y el silencio, la respuesta sigue siendo colectiva. Será el domingo 15, a las 19 horas, con entrada libre y gratuita. La muestra Acá Estamos se vuelve experiencia inmersiva con una instalación que une arte, comunicación y comunidad frente al avance del odio y la fragmentación. Las paredes de La Mandinga dejarán de ser solo ladrillos para transformarse en un mapa de la resistencia afectiva con una instalación audiovisual que es, ante todo, un refugio y un escudo. En un contexto donde los discursos de odio y la polarización parecen ganar la partida, la Red Federal de Periodistas y Comunicadoras Feministas, que desde 2018 teje alianzas en las 24 jurisdicciones del país y está integrada por 30 referentes de todo el país -entre ellas de Formosa- decidió que la comunicación no podía ser solo informar, sino también articular. Así nació Acá Estamos, una campaña que empezó como un claim (una consigna) y terminó siendo poesía, copla, mural y, ahora, una experiencia inmersiva.&nbsp; La propuesta busca volver a convocar a quienes protagonizaron las históricas movilizaciones de Ni Una Menos y la Marea Verde, transformando el mensaje en una campaña federal adaptada a múltiples formatos, en un encuentro desde el arte y la palabra, donde no es solo mirar; es habitar. La instalación recorre las luchas colectivas de Argentina con un formato interactivo que incluye microrrelatos audiovisuales, fotografías y textos que ponen en valor las redes de apoyo en el territorio nacional. El documental cuenta la historia de 25 mujeres que el feminismo les transformó la vida. Y la galería visual son fotos &nbsp;de carteles, posteos, y demás con la frase Acá Estamos. “Es un abrazo a todas las luchas en un contexto de ajuste económico. El mensaje se fue transformando en cada asamblea y hoy es un lenguaje múltiple que nos permite volver a encontrarnos”, explican desde la organización. La potencia de lo localLa llegada de esta movida federal a Formosa destaca el rol de las comunicadoras locales dentro de la Red nacional. Las historias de las trabajadoras de prensa formoseñas tendrán su lugar en la instalación, evidenciando que la resistencia y la construcción de derechos sexuales y reproductivos tienen una impronta propia en el NEA. Diez de ellas, van a leer en vivo textos propios. La cita en el barrio Fleming tiene ese gustito a encuentro comunitario que tanto hace falta. No se trata de una muestra de museo estática, sino de un espacio vivo. Por eso, la invitación incluye una consigna clara: traé tu remera, tu parche o tu bolso. Habrá sublimaciones en vivo con los motivos de la muestra, para que cada asistente se lleve la consigna puesta, literalmente. Frente al “sálvese quien pueda”, la Red propone el “nos salvamos juntas”. La entrada es abierta a toda la comunidad, invitando a quienes deseen reconocer la potencia de lo colectivo y sentir el pulso de una red que, a pesar del contexto, elige seguir comunicando desde el afecto y la organización. La Marea Verde y el Ni Una Menos no se evaporaron; se transformaron en capilaridad, en red y en comunicación situada.

Acá Estamos: Cuando las historias de 
todo un país se encuentran en Formosa

El pulso de la cultura digital se traslada a la pantalla grande. El 19 de marzo llega a los cines de todo el país Sólo Fanáticos, la nueva apuesta del director vanguardista Leo Damario, protagonizada por China Kruger. La película no solo marca tendencia por su temática, sino por un elenco audaz que combina figuras consagradas con apuestas disruptivas, y logra lo inesperado: el regreso de la icónica Nacha Guevara al cine, la versatilidad de Benjamín Vicuña y el debut actoral del chef Donato de Santis. La banda de sonido está a cargo del reconocido músico argentino Carca y del conjunto Una Fábrica. Y cabe destacar que el director es pareja en la vida real de la protagonista de la película. Kruger filmó su protagónico atravesando su embarazo, como fruto de la relación de ambos. “Quiero que mi hijo crezca sabiendo que ser libre y valiente es el mayor acto de arte”, confiesa la protagonista El film habla de la belleza y el deseo como trampa y combustible en la era de las redes, sumando una audaz mirada de la maternidad. Todo contado en una historia de la vida real que atrapa e hipnotiza. La historia sigue a Antonella, una creadora de contenido erótico que atraviesa un embarazo de ocho meses. Tras ser abandonada por el padre de su bebé, decide que no será una víctima. Con la complicidad de su amiga Emi, una sugar baby con calle y experiencia en el mundo del trabajo sexual, diseñan un plan de venganza que cruza el erotismo de OnlyFans.&nbsp; Leo Damario es un cineasta argentino visionario y de vanguardia. A los 24 años debutó en la Berlinale con Olympia. Dirigió 7 largometrajes, entre ellos Palmera y Bohemia, además de la serie Victoria, Psicóloga Vengadora, ganadora del Cóndor de Plata y disponible en Amazon. Hizo videoclips para Babasónicos, Miranda! y Andrés Calamaro, cuya biopic dirigió. Su estilo mezcla cine pop, erotismo y provocación con fuerte impronta autoral. El film ya cuenta con el aval de la crítica. El pasado 1° de marzo recibió una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine sobre Diversidades y Género (FIDIG Cine) por su audaz exploración de la representación de género y el deseo en la era digital.

OnlyFans, venganza y maternidad

En el corazón del barrio Vial, hay una casa que no entiende de distancias entre el artista y quien mira. Allí, el arte no se cuelga: se vive, se borda y se filma. Gloria Polo, o simplemente LaGloria, referente absoluta de nuestra plástica, acaba de lanzar una invitación y la hoja de ruta de su Casa de Artista (Amadey 1.508) para este 2026 que incluye, entre otras actividades, un taller vivo, un living literario y un acto de justicia histórica con el rodaje de una película que promete sacudir la memoria de Formosa. Con el 8M como ritual de creación, el domingo, de 17 a 22 horas, bajo el concepto de creación en tiempo real, artistas locales y chaqueñas (Mirtha Ferreyra, Elvira Suárez y Roxana Toledo, entre otras) se juntarán a hacer lo que mejor saben: habitar el mundo desde el arte. La propuesta es desarmar la galería estática y armar un búnker de pensamiento durante un Té Creativo. Habrá procesos en vivo, intercambio de ideas y el lujo de escuchar a poetas locales leyendo sus propias obras. El Vial va a estar en encendido todo el año con las propuestas de Casa de Artista, donde sigue abierta -con cita previa- la muestra Celebración del Amor (con obras de Milo Lockett, Kantú y más). Y el 24 de marzo, Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia, el arte se vuelve compromiso. LaGloria formará parte del proyecto federal No me olviden. 30 mil agujas por nuestros desparecidos, que propone bordar nombres, historias y afectos para que el tiempo no los borre. La artista participará con una pieza textil bordada en memoria de Bocha Pereira, militante formoseño desaparecido y miembro de una familia profundamente ligada a la historia de nuestra ciudad. “Bordar es una forma de escribir la historia con una paciencia que el olvido no tiene”, dicen quienes participan de esta red federal que busca alcanzar las 30.000 piezas en todo el país. Las propuestas de Casa de Artista seguirán todo el año. En abril, exposición de artistas jóvenes y emergentes. En mayo/junio, Cena Patriótica &amp; Coleccionismo. En julio seguirán las visitas guiadas, y además LaGloria viajará a Resistencia (Chaco) para participa con el grupo Pasionaria de una muestra colectiva. En agosto/septiembre, el Ciclo El artista del barrio, una invitación a meternos en las cocinas y talleres de los creadores locales para ver cómo nace la magia. Y cerrando el año, un showroom con obras de pequeño formato. La oportunidad real de empezar una propia colección con piezas legitimadas. La gran novedad que atraviesa este año es el rodaje de una biopic (película biográfica) sobre la doctora Dora Polo, una figura que es leyenda. Fue la primera abogada de Formosa, una militante de hierro desde los años 60 y una mujer que marcó agenda en los medios gráficos de la época. El dream team incluye a Luis Benítez (ENERC), Silvia Polo y Martino Otero Polo, con el objetivo de rescatar una memoria profesional que la historia oficial intentó archivar.

LaGloria enciende el barrio Vial en su Casa de Artista

La espera terminó para los seguidores del rock de esta zona del país. Mañana sábado 7 de marzo, el escenario del Club CEP (Territorios Nacionales 625) será el epicentro de una jornada histórica: el debut de Skay Beilinson en tierras formoseñas. Bajo la producción conjunta de CH Producciones y Sótano Cultural Formosa, el show está previsto para las 21 horas y promete una inmersión en el universo sonoro de quien fuera el arquitecto melódico de la banda más convocante del país junto al Indio Solari. El repertorio equilibrará sus ocho discos solistas con los clásicos inoxidables de la mística ricotera. Las entradas se pueden adquirir en El Agite Rock (avenida Italia 1246) y Rock House (Belgrano 601), con opción de pago en efectivo y transferencia. También en Hook Drugstore (avenida 25 de Mayo 383), únicamente en efectivo. En Clorinda, La Cornisa Pool (J.F. Cancio 1183). Venta digital: TuEntrada.com, con todos los medios de pago electrónicos. Hay hitos que no se miden por la cantidad de entradas vendidas, sino por el peso de la historia que cargan. Que Skay Beilinson pise Formosa no es un casillero más en la agenda de espectáculos: es el cierre de una deuda histórica de nuestra ciudad con la mística del rock más puro y autogestivo del país. Es, en definitiva, un riff que hace historia en nuestra propia casa. Para el público formoseño, Skay siempre fue una figura casi mitológica. Durante décadas, el ritual implicaba armar el bolso y viajar cientos de kilómetros para vivir “la misa”, persiguiendo ese sonido de guitarra que es el ADN de nuestra identidad musical. Que hoy el Club CEP sea el anfitrión de Los Fakires significa que Formosa ha dejado de ser un punto periférico para convertirse en una parada obligatoria de la ruta grande del rock nacional. Este desembarco interpela directamente a nuestra escena. En una Formosa donde las voces creativas a menudo encuentran más plazas que escenarios formales, una visita de este calibre afirma que la cultura no se escribe únicamente en las grandes capitales. Para los más jóvenes, será la oportunidad de ver en vivo a un trazo fundacional de nuestra música. Para los más grandes, el reencuentro con una parte de su propia biografía. Pero para todos, será la confirmación de que el corazón de Patricio Rey sigue latiendo, y que esta vez, el latido suena fuerte acá, en nuestro suelo. Skay es, posiblemente, el artista más coherente que parió nuestra música. Su mayor aporte al rock en español es la identidad sonora. Ayudó a crear un sonido que no intentaba copiar a las bandas inglesas, sino que sonaba a Buenos Aires, a La Plata y a una Argentina oscura y poética. Mientras la industria del entretenimiento se desespera por el algoritmo y el impacto efímero, el “Flaco” sigue apostando a la artesanía del sonido. Su Gibson SG no grita, narra. Considerado por la revista Rolling Stone como el sexto mejor guitarrista de la historia argentina, Beilinson es más que un instrumentista: es un narrador de atmósferas. Sus solos no son demostraciones de velocidad, son puentes hacia estados de ánimo que van desde la melancolía rioplatense hasta el misticismo del desierto. Su virtuosismo reside en la textura y la economía de notas. Sus influencias son mixtas: logró amalgamar el blues de B.B. King, la psicodelia de Jimi Hendrix y el toque “slide” de Ry Cooder con aires de música oriental y europea (especialmente de Europa del Este). Sus riffs no son meros acompañamientos; son melodías que la gente canta (el famoso “ohohoh”). El riff de Jijiji es, técnicamente, una pieza de precisión rítmica y tensión que define el pogo más grande del mundo. Que llegue acompañado por Los Fakires (Claudio Quartero, en bajo; Joaquín Rosson, en guitarra, y Leandro Sánchez, en batería) forman una pared de sonido compacta y feroz que le permite al Flaco volar tranquilo, y bajo la sombra protectora de la Negra Poly -su compañera, manager y la verdadera arquitecta de la independencia artística en Argentina- le da al evento un tinte de clase magistral. Skay no viene a darnos un show de nostalgia. Viene a presentarnos su presente, que es igual de potente que aquel pasado que agigantó su leyenda. Su gira 2026 comenzó con un éxito arrollador el 24 de enero en el auditorio Carlos Gardel de Córdoba, tras un cierre de 2025 multitudinario en la Costanera de Quilmes, reafirmando que su conexión con el público atraviesa todas las edades.&nbsp; La historia de Skay es la de un músico que nunca se dejó atrapar por las etiquetas, y representa la resistencia cultural. Desde sus inicios en La Cofradía de la Flor Solar (años 60/70) y su paso por Europa en el 68, trajo consigo una visión del rock como una experiencia comunitaria y espiritual. Su etapa en Patricio Rey y sus Redondos de Ricota (1976-2001) no fue solo un éxito comercial, sino la creación de un lenguaje propio junto al Indio Solari y la Negra Poly. Compuso la música de todos los discos, desde la crudeza de Gulp! hasta la experimentación electrónica de Momo Sampler, y demostró que se podía construir el fenómeno más grande de la historia del rock nacional de manera autogestionada, sin sellos multinacionales ni claudicaciones artísticas. Es el eslabón que une la psicodelia fundacional de los 70 con la masividad de los estadios, manteniendo siempre un aura de misterio y respeto que lo aleja del show business tradicional. Tras la separación, lejos de retirarse a vivir de los réditos, inició una carrera solista prolífica con Los Fakires, editando 8 discos que lo consolidaron como un artista que prefiere el presente antes que la nostalgia. El ritual de SkayIr a ver a Skay es aceptar un viaje que mezcla la nostalgia de los estadios con la frescura de su presente. En su etapa solista desarrolló una voz narrativa y aguardentosa que encaja perfectamente con sus letras sobre destinos, espejismos y libertad, alejándose del virtuosismo vacío para enfocarse en la emoción pura. Si es tu primera vez, en el Club CEP preparate para estos momentos clave: -Los himnos de la Bestia (el legado Redondo): Aunque Skay tiene un camino solista inmenso, nunca olvida a sus “cachorros”. Seguramente suenen joyas como Jijiji y será el momento donde el Club CEP se va a transformar en un terremoto. El solo de Skay ahí es ley. El pibe de los astilleros, un rocanrol puro donde su Gibson SG dicta cátedra de estilo. Criminal Mambo o Todo un palo, momentos de alta densidad psicodélica donde la banda demuestra su poder de fuego. -Las perlas de Los Fakires (su ADN solista). Estos temas son los que construyeron su nuevo imperio y los que el público fiel canta con la misma pasión: Oda a la sin nombre, el himno de su etapa solista, una melodía que se te pega al alma y que resume su filosofía de libertad. Flores secas, el riff hipnótico por excelencia; es el momento “viajero” del show, donde Skay despliega esas escalas orientales que lo hacen único. Aves Migratorias, una canción que suena a ruta, a búsqueda y a esa elegancia rockera que solo él maneja. La trama invisible o El fénix, temas de sus últimos discos que demuestran que su pluma sigue tan afilada como en los 80. El 7 de marzo, Formosa dejará de ser una espectadora de la historia del rock nacional para convertirse en protagonista. Para muchos jóvenes formoseños, esta será la primera oportunidad de ver al sexto mejor guitarrista de nuestra historia según Rolling Stone. Para los más grandes, será el reencuentro con una parte de su propia vida. Cuando suene el primer acorde, ese que todos reconocemos antes de que termine el primer compás, entenderemos que el corazón de Patricio Rey no estaba muerto, ni de parranda: simplemente estaba esperando el momento justo para latir en nuestro suelo. Preparen los oídos. La elegancia del rock independiente y la guitarra que nos faltaba, finalmente, está llegando.

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