Hay generaciones que recuerdan una época por los discos. Otras, por las películas. Los millennials, en cambio, muchas veces recuerdan su adolescencia por MTV. Por esas tardes de videoclips, por los compilados grabados en CDs vírgenes y por una mezcla imposible donde convivían Backstreet Boys, Linkin Park, Avril Lavigne y Limp Bizkit sin necesidad de pedir permiso. Sobre esa memoria afectiva se construye el fenómeno de The HITZ, la banda santafesina que convirtió la nostalgia dosmilera en una experiencia en vivo explosiva y que el sábado 9 de mayo regresará a Formosa para presentarse en el Sótano Cultural desde las 22 horas.&nbsp; El regreso al Sótano Cultural no será en solitario. La noche contará con la apertura de SundayGrunge, banda que preparará el terreno con los sonidos crudos de Seattle, completando una propuesta integral para los amantes de las guitarras. Entradas: Hook (avenida 25 de Mayo 383), Rock House, El Agite. Online: Plataforma Passline. Lejos de funcionar como una banda tributo convencional, The HITZ propone algo mucho más cercano a una fiesta generacional. Su repertorio es una curaduría de los años 90 y 2000 que amalgama géneros antes enfrentados: el nü metal, el pop punk y el mainstream más radial conviven sin fricciones en un show de 90 minutos.&nbsp; La trayectoria de la banda es un caso de estudio sobre cómo una lectura inteligente de la cultura pop puede transformar un hobby en un producto de exportación. El proyecto dio sus primeros pasos en enero de 2019 en Reconquista, Santa Fe. Lo que originalmente se planteó como una serie de presentaciones aisladas bajo el nombre de MTV Hitz, rápidamente desbordó las expectativas del circuito local. Martín Romero (voz), Mateo Zanel (guitarra), Tomás Benítez (bajo y coros) y Nicolás Menéndez (batería) lograron construir un espectáculo que dialoga directamente con una generación atravesada por la cultura pop de finales de los 90 y comienzos de los 2000. Y quizás allí reside buena parte del fenómeno: The HITZ no trabaja solamente sobre canciones, sino sobre recuerdos. Cada tema funciona como una cápsula emocional capaz de transportar al público a otra etapa de su vida.&nbsp; En escena, hay visuales renovadas, una puesta energética y una lectura contemporánea de canciones que siguen funcionando como himnos generacionales. La respuesta del público acompañó el crecimiento del proyecto: millones de reproducciones en redes sociales y una gira que ya recorrió Argentina, Chile, Paraguay y Uruguay consolidaron a la banda como uno de los fenómenos live más particulares del Cono Sur. En tiempos donde la nostalgia se convirtió casi en un lenguaje cultural propio, The HITZ entendió algo clave: volver al pasado también puede ser una forma de reencontrarse colectivamente en el presente.

Memoria pop y distorsión: El 
fenómeno The HITZ regresa al Sótano

El domingo 10 de mayo, a las 20 horas, el Centro Cultural Independiente La Mandinga abre sus puertas a Se necesita un cadáver, una pieza de Guillermo Montilla Santillán que explora los límites de la ambición a través del lente del humor negro. La nueva propuesta de La Chamullería es una comedia absurda y filosa donde la desesperación convierte lo impensado en rutina y el caos crece escena tras escena. La obra despliega una trama donde el absurdo es el rey. Un grupo de personajes necesita conseguir un cadáver. Y cuanto más intentan resolver el problema, más se hunden en una cadena de decisiones delirantes, moralmente dudosas y cada vez más caóticas. Lo macabro aparece atravesado por situaciones reconocibles, miserias humanas y personajes que terminan desbordados por sus propias contradicciones. Ahí está parte de la potencia de la propuesta: convertir lo absurdo en espejo. Porque detrás de los diálogos veloces, los enredos y las situaciones disparatadas, la obra deja flotando preguntas incómodas sobre la ambición, la desesperación y los límites éticos que muchas veces se vuelven flexibles cuando la necesidad aprieta. Y también apuesta por un territorio incómodo y liberador: el de la risa que aparece justo donde no debería. Sus personajes no son monstruos: son personas comunes intentando resolver algo imposible de la peor manera posible. La invitación al espectador es clara: reflexionar sobre la naturaleza humana y hasta dónde somos capaces de llegar cuando las circunstancias nos empujan al abismo, pero sin perder nunca el sentido del humor. La obra se presenta como una propuesta provocadora, ideal para quienes buscan en el teatro algo más que una simple distracción; una mirada crítica y profundamente humana sobre lo macabro que nos habita. La función también reafirma el movimiento que viene sosteniendo el teatro independiente formoseño, cada vez más dispuesto a explorar géneros menos convencionales y propuestas alejadas de la comodidad narrativa. Desde La Chamullería, el objetivo parece claro: construir una experiencia teatral intensa, cercana y sin solemnidad, donde el público pueda pasar de la carcajada a la incomodidad en cuestión de segundos. Porque en Se Necesita un Cadáver el humor nunca está completamente separado de la tragedia. Y esa mezcla -incómoda, absurda y profundamente humana- es precisamente lo que vuelve atractiva a la obra. Entradas anticipadas: $15.000. En puerta: $20.000. Promo anticipadas: 2 x $25.000. Reservas y consultas: 3704-586213 / 3704-589138. Más información en Instagram de La Chamullería.

La Chamullería lleva el humor negro al límite con Se Necesita un Cadáver

Después de El Fortín de los Caranchos no había demasiados caminos posibles: repetirse o romperse otra vez. Tincho Iza y Carlos Leyes eligieron la segunda opción. Y quizá por eso Frankenstein Caído aparece hoy como una de las apuestas teatrales más ambiciosas que haya dado la escena formoseña en los últimos años. No sólo por el despliegue técnico o por la dimensión de la producción, sino porque detrás del clásico de Mary Shelley late una pregunta incómoda y profundamente contemporánea: ¿qué hacemos con aquello que creamos y luego decidimos abandonar? La obra se estrena el sábado 9 de mayo en el Teatro de la Ciudad, a las 21 horas y llega precedida por una expectativa poco habitual para el circuito local. El fenómeno generado por la adaptación “fortinera” de Macbeth convirtió a la dupla Iza-Leyes en uno de los motores más inquietos del teatro regional. Pero lejos de quedarse en la fórmula del éxito, ahora avanzan hacia un territorio más oscuro, físico y existencial. Las entradas anticipadas se pueden adquirir vía online www.quieroyaeventos.ar o personalmente en el local de Hook (avenida 25 de mayo 383). Aquí no hay castillos góticos ni nostalgia por el cine clásico de terror. Frankenstein Caído trabaja desde otro lugar: el cuerpo vivo, la respiración compartida y la tensión emocional que sólo puede sostener el teatro cuando el artificio desaparece y queda el actor frente al espectador. “Quisimos devolverle a Frankenstein su peso humano. En el teatro, el monstruo es una construcción de cuerpos y respiración”, explica Tincho Iza, director y co-dramaturgo de la puesta. La frase funciona casi como una declaración estética. Porque en esta versión el horror no proviene del maquillaje ni del efecto visual, sino de algo mucho más reconocible: la soledad, el rechazo y la irresponsabilidad del creador frente a su propia obra. El monstruo somos nosotros En tiempos atravesados por inteligencias artificiales, algoritmos y tecnologías capaces de producir imágenes, voces y hasta emociones artificiales, la obra encuentra una resonancia inevitable con el presente. El Víctor Frankenstein que interpreta Lucas Ramírez ya no es sólo el científico obsesionado del siglo XIX. Se parece más a cualquier creador contemporáneo -un empresario tecnológico, un programador, un genetista- que avanza sobre sus posibilidades sin detenerse demasiado a pensar las consecuencias humanas. “Víctor ya no es solo un científico del siglo XIX; es el símbolo de cualquier creador que no mide consecuencias”, dice Ramírez. Y allí aparece uno de los grandes hallazgos de la puesta: la posibilidad de leer el mito desde la ansiedad tecnológica de 2026 sin perder la esencia trágica del relato original. La criatura, encarnada por Carlos Leyes, se transforma en algo más que un monstruo. Es el resultado del abandono. Una existencia creada para ser negada. Un cuerpo condenado a buscar afecto en un mundo que primero lo fabrica y después lo expulsa. Para construir ese recorrido, Leyes atravesó un año completo de preparación física y vocal. El personaje evoluciona desde el balbuceo primitivo hasta una lucidez amarga y casi filosófica. “Es uno de los trabajos más ricos que me tocó desarrollar; trabajamos las transiciones desde no saber hablar hasta ser un erudito”, cuenta el actor. El desafío no era sólo interpretar a la criatura, sino volverla humana sin domesticar su dolor. En medio de esa tensión aparece Elizabeth, interpretada por Mariana Capra, como un punto de equilibrio emocional dentro del caos. Su personaje funciona como refugio, pero también como recordatorio de que incluso en los universos más oscuros sigue existiendo una posibilidad de empatía.&nbsp; Un teatro que apuesta a lo grande La dimensión de Frankenstein Caído también se percibe en el trabajo técnico y visual que sostiene la puesta. La producción de Stampa Productora y Leyenda Contenidos Culturales armó un equipo que apuesta a una experiencia sensorial completa: el diseño sonoro envolvente de Alejandro Bogado, la iluminación de Omar Giménez, la escenografía de Cristian Vega y Patricia Velázquez y el universo visual desarrollado por Laura Borrini y Mauricio Bareiro construyen una atmósfera donde lo industrial, lo humano y lo monstruoso conviven en permanente tensión. El vestuario de Florencia Leyes acompaña esa lógica con una estética que evita la referencia clásica para instalarse en un tiempo ambiguo, casi posthumano. Nada parece pertenecer del todo al siglo XIX ni tampoco al futuro. Y justamente ahí radica parte de la potencia de la obra: Frankenstein Caído sucede en todos los tiempos posibles porque habla de algo que no deja de repetirse. La puesta también confirma algo que viene ocurriendo silenciosamente en la escena cultural formoseña: el teatro local dejó de pensar en pequeño. Ya no se trata solamente de producir obras “para la provincia”, sino de construir lenguajes propios capaces de dialogar con discusiones universales sin perder identidad territorial. Lo que propone Iza no es una adaptación escolar del clásico de Shelley. Es una relectura visceral donde el mito sirve para hablar del presente, del miedo al otro, de la soledad contemporánea y de una sociedad que consume vínculos descartables con la misma velocidad con la que produce tecnología. Volver a mirarnos En un contexto cultural atravesado por la fragmentación, las pantallas y el aislamiento, Frankenstein Caído también funciona como reivindicación del teatro como ceremonia colectiva. El espectador no asiste únicamente a una historia: participa de una experiencia física y emocional compartida con otros cuerpos presentes. Ahí aparece quizás la dimensión más política de la obra. Frente a un tiempo donde casi todo puede reproducirse digitalmente, el teatro insiste en algo irreemplazable: la fragilidad del aquí y ahora. Y acaso por eso el monstruo de Frankenstein sigue vivo dos siglos después. Porque continúa preguntándonos qué hacemos con aquello que no queremos mirar. Qué parte de nuestra propia monstruosidad decidimos esconder. Y cuánto dolor puede producir el abandono cuando quien abandona es, justamente, el creador.

Una criatura para estos tiempos: llega Frankenstein Caído

Entre biodiversidad, memoria y arte, la región chaqueña llega a La Rural para discutir modelos de desarrollo arraigados en el territorio y la identidad. El 5 de mayo, la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires será escenario de la charla-panel “Territorios que narran: Biodiversidad, cultura y futuro del Gran Chaco”. Una propuesta necesaria para pensar la región desde sus voces, sus comunidades y sus propias formas de habitar el mapa.&nbsp; La actividad es presentada por CAF –Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe-, junto a la Fundación Gran Chaco, celebrando los 25 años de presencia institucional del organismo en Argentina bajo el lema Crecemos juntos. Entendiendo que “la literatura y las narrativas culturales han sido históricamente una forma de interpretar los territorios, de construir identidades y de acercar al público general a los grandes debates ambientales de nuestro tiempo”, la cita será a las 17 horas en el stand de CAF (Pabellón Amarillo #1505) del Predio Ferial La Rural. En ese contexto, “el diálogo entre escritores, especialistas y organizaciones que trabajan en el territorio permite abrir nuevas miradas sobre el vínculo entre naturaleza, sociedad y futuro”. El objetivo central de este diálogo es visibilizar al Gran Chaco como una pieza clave para el equilibrio de América Latina. En un contexto donde la sustentabilidad suele reducirse a cifras globales, este panel pondrá el foco en las narrativas situadas: saberes comunitarios, prácticas productivas sostenibles y expresiones culturales que construyen sentido desde el monte y la comunidad, &nbsp;proponiendo nuevas formas de habitar el presente. La propuesta invita a reflexionar sobre cómo las historias que nacen en el territorio pueden contribuir a imaginar modelos de desarrollo más inclusivos y, sobre todo, profundamente arraigados en nuestra identidad regional. Voces de nuestra tierra El panel reunirá a referentes con un profundo trabajo territorial: Agustín Noriega: Especialista en desarrollo territorial y miembro de Redes Chaco. Marcos Ramírez: Gestor formoseño y referente de la escena cultural regional. Norma Rodríguez: Presidenta de la Cooperativa de Mujeres Artesanas del Gran Chaco (COMAR). Moderación: Alejandro Salamon (CAF). La fuerte presencia formoseña en este panel refleja el crecimiento de las redes culturales y comunitarias del Norte argentino. Desde la música y las artesanías hasta la producción colectiva, el Gran Chaco demuestra que es capaz de producir sus propios relatos y disputar sentidos sobre el futuro. En tiempos atravesados por la crisis climática y las discusiones sobre recursos naturales, la región vuelve a aparecer no solo como una reserva de biodiversidad, sino como un espacio donde sobreviven otras maneras de entender el vínculo entre comunidad, producción y territorio.

El Gran Chaco toma la palabra en la Feria del Libro de Buenos Aires

Ácido Argentino, la obra cumbre de Hermética, no solo es el disco más emblemático del metal pesado en nuestro país, sino una radiografía cruda de la Argentina de finales del siglo XX. Lanzado en 1991, es el segundo álbum de estudio de Hermética, cuyas canciones se convirtieron en himnos del metal argentino. A 35 años de su lanzamiento, el álbum sigue siendo una referencia inevitable del heavy metal nacional y volverá a tronar con fuerza el 2 de mayo en nuestra ciudad, cuando La H No Murió se presente en el Club Sol de América. La apertura del concierto estará a cargo de Manto Negro, la formación de metal que mejor representa la identidad de frontera en la región del NEA. La H No Murió tiene una importancia muy particular dentro de la cultura metalera argentina porque funciona como un puente entre generaciones y como una forma de mantener vivo el legado de Hermética, considerada por muchos la banda más influyente del metal nacional. El proyecto nació encabezado por Claudio O’Connor y Claudio Strunz, ambos exintegrantes de Hermética, junto a músicos invitados. Más que una “banda tributo”, La H No Murió se convirtió en una celebración colectiva de una etapa fundamental del metal argentino. La gira aniversario no aparece como un simple ejercicio de nostalgia. Por el contrario, funciona como una reafirmación de la vigencia de un disco que atravesó generaciones con letras crudas, sonido pesado y una mirada profundamente ligada a la realidad social argentina. Publicado en 1991, Ácido Argentino se convirtió con el tiempo en una de las obras más influyentes del metal latinoamericano y consolidó a Hermética como la banda más representativa del heavy metal nacional. En ese contexto, La H No Murió ocupa un lugar especial dentro de la escena. Su propuesta mantiene viva la llama del repertorio de la mítica banda, posicionándose como una reafirmación estética y política. En 1991, el disco introdujo una lírica que abandonaba los clichés del género para abrazar una narrativa ligada a la realidad del trabajador, el conflicto social y la resistencia cultural. Hoy, ese mensaje no ha perdido gramaje. El fenómeno de convocatoria que rodea a las presentaciones de La H No Murió demuestra que las nuevas generaciones han adoptado esos himnos como propios, encontrando en ellos una potencia interpretativa que sigue interpelando el presente. La noche en el Club Sol de América tendrá un condimento especial que nos toca de cerca. La apertura del fuego estará a cargo de Manto Negro, un verdadero estandarte del metal regional. La inclusión de la banda clorindense/paraguaya como soporte no es un dato menor en el análisis cultural. Manto Negro, con su propuesta de metal técnico y compromiso territorial, representa la vitalidad de una escena que se construye desde la periferia. Su participación marca el sentido federal del encuentro: el cruce entre la historia grande del metal nacional y la fuerza de las bandas que sostienen la cultura pesada desde el interior profundo y los límites fronterizos. Treinta y cinco años después, Ácido Argentino sigue demostrando que algunas obras no pertenecen solamente a una época. Permanecen. Y en Formosa volverán a sonar como si el tiempo nunca hubiera pasado.

Ácido Argentino: El pulso social
del metal vuelve a latir en Formosa

En Casa de Artista, de Gloria Polo se inaugura la muestra colectiva titulada Bienvenida al Otoño. No solo es una exposición de arte, sino un manifiesto sobre el tiempo en una ciudad como la nuestra, donde el calor suele dictar el ritmo de los días y el Otoño a veces se percibe como un susurro, una transición casi invisible entre el rigor del Verano y la espera del Invierno. Casa de Artista invita a celebrar ese cambio de estación con una propuesta multidisciplinaria que promete encender los colores de la calma. La cita es el sábado 25 de abril a las 19 horas en el espacio cultural de Rómulo Amadey 1508.&nbsp; En esta nueva temporada, la Casa se abre para hacer honor a esos matices amarillos, naranjas y marrones que, aunque sutiles en nuestro paisaje formoseño, cargan de significado el final del ciclo estival. La muestra reúne un heterogéneo y talentoso grupo de artistas que, desde diversas disciplinas, dialogan con la temática de la temporada: Álvaro Brítez, Luis Benítez, y la dupla de Martín Polo &amp; Agustina Bobadilla (fotografía), Sofía Delturco, Lagloria, Juan Esteban López, Ana Clara Martorelli, Fernando Polo, Lili Polo, Lillyan Noriega y Pablo Valdez (pintura), y Scannapieco, en grabado, y Rocío Deniz aportando desde la pintura y el arte textil. Cada obra parece responder a una misma pregunta sin formularla: ¿qué queda cuando algo se transforma? Y la respuesta no aparece como certeza, sino como atmósfera. Hay tonos cálidos que remiten a hojas caídas, texturas que evocan desgaste, imágenes que parecen suspendidas en un tiempo intermedio. El texto curatorial, firmado por Alejandro Martín Polo, propone una lectura íntima: el otoño como transición no es una carencia, sino una forma de belleza. Una pausa cargada de sentido. “Todas las mejores cosas de la vida son -desde mi perspectiva- una transición”, escribe, y en esa línea se entiende la muestra como un gesto: abrir una temporada no desde lo definitivo, sino desde lo que está en proceso. En ese cruce entre lo que termina y lo que empieza, Bienvenida al Otoño no busca explicar la estación. La deja ser. Como una transformación que no hace ruido pero cambia todo. Porque a veces lo más importante no es llegar, sino ese instante en el que todavía no somos del todo lo que vamos a ser. Es una oportunidad para encontrarnos en el refugio del arte y reflexionar sobre nuestras propias transiciones mientras habitamos un espacio que ya es referencia de la cultura autogestiva local.

Bienvenida al Otoño
en Casa de Artista

Ácido Argentino, de Hermética, es un disco que no envejece y a 35 años de su aparición, ese manifiesto sonoro vuelve a ponerse en el centro de la escena con una gira que no apela a la nostalgia sino a la vigencia. Y en ese recorrido, Formosa tendrá su capítulo: el 2 de mayo La H No Murió -la emblemática banda que rinde homenaje a Hermética, histórica agrupación fundacional del heavy metal argentino- se presentará en el Club Sol de América para celebrar uno de los álbumes que marcó a toda una generación. No es un regreso más. Es, para muchos, una ceremonia. Porque Ácido Argentino -editado en 1991- no solo consolidó el sonido de Hermética: también trazó una forma de decir, de pararse frente a la realidad, de construir identidad desde los márgenes. Crudo, directo, incómodo. Platino en ventas y eterno en influencia, el disco se convirtió en una piedra angular para entender el pulso del metal en Argentina. En ese legado se inscribe La H No Murió, proyecto que reúne a nombres fundamentales de aquella historia. Con Claudio O’Connor en la voz y Tano Romano en guitarra -dos piezas originales de Hermética-, la formación se completa con Karlos Cuadrado (bajo) y Javier Rubio (batería). Juntos, no reconstruyen: reactivan. El repertorio incluye la interpretación completa del álbum, sumando clásicos que siguen funcionando como himnos de resistencia. El paso por Formosa se anticipa como un punto alto dentro de una gira que también recorrerá escenarios de Latinoamérica y Europa. Hay, además, un guiño que eleva la expectativa: la confirmación de que compartirán cartel con Iron Maiden en dos fechas en el Estadio Tomás Adolfo Ducó, un cruce que conecta generaciones y geografías bajo una misma intensidad. Las entradas anticipadas ya están disponibles en Rock House (Belgrano 602) y a través de la plataforma Paseshow, con la posibilidad de financiación. Pero más allá de la logística, lo que se activa es otra cosa: la posibilidad de volver a un sonido que no se apaga, que todavía interpela. Treinta y cinco años después, Ácido Argentino no es solo un aniversario. Es una reafirmación. Porque pasan los años, cambian las modas, pero una cosa es segura: La H no murió.

La H No Murió vuelve a Formosa
para celebrar 35 años de Ácido Argentino

El corazón del Lote 4 se convertirá hoy en el epicentro de la música popular. El Quincho/Peña de Formosa abre sus puertas para recibir a dos propuestas que, desde la innovación, honran nuestras raíces: Chechelos y el talentoso Federico Baldús. La noche promete ser un viaje sonoro desde el violonchelo criollo hasta el folklore psicodélico. Viernes 17 de abril, a las 21 horas, en Ramos Mejía 2155 (Lote 4). Entradas disponibles en Macowens (Peatonal Rivadavia 728) y Devré (Belgrano 655). CheChelos combina zambas, chacareras, chayas y vidalas con influencias del rock, la música clásica, el jazz y la improvisación. Al ser un estilo sin precedente en el instrumento protagonista, CheChelos crea sus técnicas propias y formas originales de reproducir las onomatopeyas rítmicas que caracterizan el folklore. Ramiro Zárate Gigli y Mauro Sarachian han logrado algo impensado: sacar al violonchelo de los conservatorios y llevarlo al centro del patio de tierra. Con su formato de power cuarteto (dos chelos, voces, bombo y guitarra), el dúo invita al baile frenético y al pañuelo al viento. Los chelistas salieron del conservatorio y el teatro para sumarse a la tradición folklórica y hacer bailar al compás de la música popular. Recorren Argentina e hicieron giras por España, Francia, Alemania, Bélgica, Inglaterra, Uruguay, Colombia y Paraguay. Federico Baldús y su Aurora El vocalista de Guauchos, Federico Baldús, con más de 30 años de camino recorrido, presentará oficialmente su disco solista Aurora. Tras explorar el pop en su EP anterior, Baldús se sumerge ahora en una sonoridad más íntima, luminosa y con tintes psicodélicos que reflejan su madurez como compositor. Acompañan a Federico: Paya Jure, en batería, bombo legüero y percusión, y Gastón Benítez, en guitarra, voces y programación. Además de los temas de su nuevo álbum, el show incluirá clásicos reversionados y la promesa de invitados sorpresa que representan lo mejor de la escena regional actual. No te podés perder la experiencia Chechelos, un show para saltar de la silla y descubrir cómo un instrumento clásico puede ser festivo como una guitarra; la oportunidad de escuchar Aurora y conocer en vivo el universo más personal de Federico Baldús, uno de los artistas más influyentes del NEA, y conocer Quincho/Peña, el nuevo espacio cultural del barrio Villa Jardín.

Chechelos y Federico Baldús 
abren el Quincho Peña

Una guitarra suena. Al lado, un dibujo nace en tiempo real. Las canciones se vuelven imágenes y las imágenes, relatos. Desde hace más de una década y media, Kevin Johansen y Liniers han construido un tercer lenguaje: uno donde los acordes de la guitarra acústica y los trazos de los pinceles sobre el papel se entrelazan para contar una misma historia. No es solo un recital, ni tampoco una sesión de dibujo en vivo; es una declaración de principios a favor de lo humano, de lo imperfecto y de la sorpresa. En tiempos donde una canción puede ser generada por inteligencia artificial y un dibujo replicado hasta el infinito, ellos apuestan a lo contrario: el error, el trazo imperfecto y la guitarra sin filtros. Un refugio artesanal en una era dominada por la frialdad del algoritmo.&nbsp; Kevin Andrew Johansen, cantante y compositor argentino—estadounidense, que mezcla la música popular del país y América con el rock alternativo y el pop estadounidense, fusionándolos en un estilo que él mismo ha llamado desgenerado, y Ricardo Liniers Siri, historietista, ilustrador, pintor y editor conocido por ser el autor de Macanudo, llegan a Formosa y se presentarán&nbsp; el 23 de abril en el centro cultural La Mandinga. Antes de su desembarco, Día Seis tomó contacto con los artistas para conocer más de ese territorio compartido donde el arte sucede sin red. Reflexionan sobre la mística de sus 15 años de sociedad, el valor de lo humano en el arte, el vínculo entre música e ilustración y esa experiencia irrepetible que sólo ocurre en vivo.&nbsp; —Kevin, en el disco Sur o no Sur, Formosa aparece en una canción como una promesa improbable: una casa para Daisy en medio de una milonga. Años después, esa geografía imaginada se vuelve real. ¿Fue una rima o hay un recuerdo real detrás de ese refugio imaginario? —KEVIN JOHANSEN: Bueno, respecto a esa frase, habría que preguntarle al que hizo ese gran monólogo improvisado, el actor Damián Dreizick. Quedó así la impronta porque la idea era una milonguita criolla en base a una persona trans, con empatía absoluta, algo que sigue muy vigente en la canción. El detalle de la casa en Formosa es absoluta casualidad y una ocurrencia risueña de Dreizick... capaz que tiene parientes, capaz hay alguna conexión. Nada es casual, y yo sé que uno de los primeros lugares al que yo llegué con mi música fue, justamente, Formosa. —Hace más de 15 años que trabajan juntos. ¿Qué aprendieron del lenguaje del otro? —K.J.: Yo creo que aprendimos, tanto Liniers como yo, con la fluidez de la amistad, de la complicidad, y también saber el lugar de cada uno naturalmente, ¿no? Fue algo gradual, él empezó haciendo un mural de espaldas, afiches, tapas de discos... hasta el formato actual. Y la verdad, creo que el crecimiento fue muy a la par de, en mi caso, de entender que la parte visual tenía una atracción innegable y que yo pasaba visualmente a un segundo plano, lo cual me encanta personalmente. —LINIERS: Lo que más aprendí de Kevin es el escenario, cómo soy yo en un escenario, cómo trabajar con esa adrenalina, con ese tiempo acotado, con gente mirándome. Yo nunca me hubiera subido a un escenario por mi cuenta si Kevin no me hubiese invitado a subirme. Ahora incluso, cuando hago cosas solo, muchas veces invito a amigos. Necesito esa complicidad, un amigo que esté ahí para cuando yo empiezo a despistar. Y sobre la conexión entre el pincel y la guitarra, supongo que más allá de las lecturas freudianas que se les puede hacer a los dos, supongo que las guitarras a veces pintan colores y los pinceles ritmos. —Llegan con Desde que te Madrid, un registro en vivo. ¿Qué tiene el vivo que sigue siendo irreemplazable incluso hoy? —K.J.: La grabación en vivo fue una cosa lógica, terminar una gira justo en Madrid, donde tenemos amigos y colegas, como Drexler, o como Las Migas, que habían participado también en el disco anterior de estudio, Quiero Mejor. Así que fue como una cosa natural y orgánica. Fue nuestro primer disco en vivo así: yo solo con mis guitarras y él solo con sus pinceles, haciendo historietas en cada canción del disco, fue un plus absoluto. —L: El vivo tiene algo cada vez más valioso: humanidad. No hay muchas computadoras entre nosotros y lo que hacemos. La guitarra de Kevin es acústica, no usa autotune; yo pinto con acrílicos y pasteles. Es como como que volvemos a esa base, ahora que está todo tan con inteligencia artificial metido por todos lados, y ya no sabemos qué es lo que vemos, qué es real o no. Un show en vivo es cien por ciento real; lo que pasa, pasa ahí, pasa esa noche, si estás ahí compartiste esa experiencia, y la gente agradece eso. —El libro Es nuestra forma de comunicarnos pone en palabras y en imágenes el vínculo creativo que los une. ¿Qué pudieron decir ahí que arriba del escenario no aparece? —K.J: El libro es nuestra forma de comunicarnos. De alguna manera, ilustra el disco en un formato como de single; están todos los temas del disco en vivo, cada canción tiene su historieta. Es como otra forma de escuchar ese material. —L: El libro surgió un poco cuando surgió el disco, lo que yo hacía en el escenario no se escuchaba, entonces le dije a Kevin que le iba a llenar el disco de dibujos. Así que dibujé todas las canciones que cantó en ese recital en Madrid, en el disco entraron algunas, en el CD entraron un poco más, pero en el libro pusimos todas. Para la gente que no tenga un tocadiscos o un CD y quiera tener las canciones en su casa, están en el libro; es un libro imposible de leer sin cantar en tu cabeza las canciones. Incluso en silencio, tiene música. —En esta era de algoritmos e Inteligencia Artificial, ustedes proponen algo radicalmente artesanal. ¿El “error” en vivo (el pifie o la mancha) es hoy la última frontera de lo que nos hace verdaderamente humanos? —K.J.: Los errores siempre están. Están en el estudio, están en cualquier taller de arte, y muchas veces los accidentes, como decía Robert Altman, el famoso director, son las mejores partes, o eran las mejores partes de su película. A veces, uno escucha grabaciones de los Beatles y hay pifies. Imagínense qué nos queda a los demás. —L: Yo estoy muy a favor del error, de pintar por afuera de la raya. Cuando Kevin se olvida de alguna canción, en algún momento la gente se pone feliz. Cuando uno busca una obra de arte, no creo que busquemos la perfección, si no todos estaríamos mirando Capilla Sixtina y escuchando Beethoven. Uno busca humanidad en el arte, una experiencia humana, y entonces escuchamos a Los Ramones y leemos historietas y un montón de cosas en donde nos interesa más la persona que está atrás de esa obra. La música de Charly García sin Charly García, no sé si es interesante. Ahora con la inteligencia artificial podemos hacer que Charly cante canciones de Radiohead, ¿quién quiere eso? Yo estoy feliz con que Charly cante las de Charly y Thom Yorke las de Radiohead. Entonces, creo que lo que buscamos es humanidad en el arte. Por un tiempito la inteligencia artificial es como un truco de fiesta, que te dicen mirá hicieron Volver al futuro 4 con IA, nos acostumbramos rápido porque es estética pero berreta y la berretada está marcada por la falta de humanidad, nos parece como una especie de fotocopia del arte, y no nos gusta la fotocopia, nos gusta el arte, como decía el gran Juancito: me gusta el arte. —Viajan por el mundo construyendo pequeños mundos en cada escenario. Cuando las luces se apagan y guardan los pinceles y la guitarra... ¿qué es eso que no cabe en ninguna valija, que no se puede editar en un libro ni grabar en un disco, y que es lo único que les confirma que el viaje sigue valiendo la pena? —KJ: Hay una famosa frase de Tom Waits que decía “ir de gira no es viajar”. Como que ir de gira no es hacer turismo, porque a veces estás un día en cada lugar y a través de la gente que se te acerca, los que te reciben, que suelen estar en el área de la Cultura, te recomiendan un museo, un lugar rico para comer, un lugar lindo para pasear. Y, entonces, termina siendo un poco como como decía el gran Rubén Albarrán, de Café Tacuba: “Nos invitan a lugares lindos, comemos rico, nos tratan bien, ¡qué más queremos!”. Un poco es eso, ¿no? El destino de viajar es conocer los lugares a través de la gente. —L: Creo que tanto Kevin como yo tenemos como medio alma de Marco Polo. Kevin seguramente por su infancia tan trashumante que iba de ciudad en ciudad y de país en país, y yo por la falta de eso, por vivir en Buenos Aires y sentir que quería ver el resto del mundo. Así que claramente los dos disfrutamos mucho viajar, y más uno viaja más se encuentran similitudes entre todos nosotros. Todos ganamos y perdemos de la misma manera. Nos enamoramos, votamos por políticos corruptos, nos gusta comer torta y que alguna película esté bien hecha. Somos todos muy muy parecidos y me parece que es sano eso, que las xenofobias y las sensaciones de que el tipo que piensa un poquito diferente en algo político o en una idea económica no es el fin del mundo o que es de otro equipo de fútbol. Los últimos mundiales cada vez más me pongo contento porque gana algún equipo donde tengo amigos, México, Costa Rica, Brasil —salvo que nos ganen a nosotros—. Pero si juega Brasil contra Hungría, no conozco a nadie en Hungría así que querría que gane Brasil. Me parece que hace bien viajar si uno tiene la suerte de poder hacerlo. Es algo que es caro a veces, a veces no es tan caro. Ponerse una mochila, comprarse unos buenos zapatos y salir a caminar hasta donde se llegue, siempre va a ser bien. Se trata de personas el planeta, así que mientras más personas juntemos y más diferentes seamos, sean esas personas más parecidas nos vamos a encontrar. Un show donde todo sucede en presente En escena, no hay red. Una guitarra, un escritorio, hojas en blanco. Canciones que se transforman en dibujos y dibujos que acompañan la música en tiempo real. Este 23 de abril, la “casa en Formosa” abre sus puertas para recibir una alquimia que, después de 15 años, sigue siendo tan fresca como el primer dibujo. En tiempos de algoritmos, Kevin Johansen y Ricardo Liniers Siri proponen algo simple y, a la vez, radical: estar ahí. Porque, como dicen, lo más valioso —todavía— no se puede editar, ni replicar, ni automatizar. Una cita imperdible para quienes todavía creen que el arte, con todos sus pifies y manchas, es lo único que nos salva de la fotocopia.

La alquimia de lo real: Kevin Johansen & 
Liniers, un viaje entre el trazo y la canción

El 26 de abril es el Día Internacional de la Danza y para festejar el estudio Ballare llevará a cabo una nueva edición de Celebramos la Danza. Esta propuesta integral, que combina formación profesional y presentaciones en vivo, se desarrollará durante el fin de semana del sábado 25 y domingo 26 de abril. El evento coincide además con un hito especial para la institución anfitriona, ya que Ballare festeja su 13.º aniversario de trayectoria en la enseñanza y producción artística en Formosa. La primera jornada, el sábado 25 en el estudio Ballare (avenida 25 de Mayo 1329, 1er piso) estará dedicada exclusivamente a la capacitación de docentes, bailarines y gestores culturales. El objetivo es brindar herramientas concretas para el trabajo cotidiano en el aula y el escenario, abordando tres ejes fundamentales: Producción y gestión: Natalia Carabajal, enfocado en la organización de proyectos en danza. Seguridad en el espacio: Protocolos de actuación ante situaciones críticas, dictado por el Cuerpo de Bomberos de la Policía de la provincia. Salud y prevención: Primeros auxilios ante emergencias físicas durante la clase, a cargo de profesionales de la salud. El domingo 26, la danza toma la escena con una función colectiva en el Teatro de la Ciudad buscando poner en valor el trabajo conjunto de la comunidad artística local. Con Ballare como anfitrión, el escenario recibirá a destacados estudios y espacios de formación de la provincia, promoviendo la convivencia de diversos lenguajes de movimiento. Entre las instituciones participantes se encuentran: el Centro Polivalente de Arte, Academia María Cristina Capra, Amarain Estudio de Danza, Carmesí Arte y Movimiento, Danzarte Centro de Arte y Producción, Sa’yJú Academia de Danzas, De Zero Danza, Narella, Najla y En Avant Estudios de Danzas, Polideportivo Social y Cultural La Paz y MN Show Dance. Contacto e inscripciones: 370-5010118. 13 años de Ballare Más allá de la agenda puntual del evento, esta edición de Celebramos la Danza tiene un significado especial: el 13.º aniversario de Ballare - Estudio de Danzas. Desde su fundación, el espacio es un referente ineludible para el sector artístico local. A lo largo de estos trece años, Ballare no solo se ha limitado a la enseñanza técnica de la danza, sino que se ha consolidado como un centro dedicado a la creación y la producción integral. Su enfoque principal se sostiene en tres pilares que han marcado su evolución: Desarrollo técnico: La búsqueda constante de la excelencia en la ejecución del movimiento. Cuidado integral: El abordaje de la danza desde el respeto y la preservación del cuerpo. Construcción de trayectorias: El impulso a los alumnos y profesionales para proyectar su carrera dentro y fuera de la provincia. A través de iniciativas como la que se presenta este 25 y 26 de abril, el estudio demuestra su intención de fortalecer el sector mediante la profesionalización. Para Ballare, celebrar la danza implica generar oportunidades de encuentro, aprendizaje y proyección que involucren a toda la comunidad artística local, fomentando el crecimiento del arte desde la colaboración y el respeto mutuo. Esta trayectoria de más de una década reafirma su compromiso con la ciudad de Formosa, posicionándose como un actor clave en la gestión cultural independiente de la región.

Formosa celebra la danza con formación y escena colectiva

Llega a la ciudad una propuesta que promete redefinir la experiencia de la peña folklórica. Bajo el nombre Rincón Legüero, este nuevo ciclo nace con una premisa clara: ser un espacio para las canciones largas, para mirarse a los ojos y para dejar que la guitarra se quede. La cita inaugural es el sábado 11 de abril, a partir de las 22 horas, en el emblemático Sótano Cultural. La primera noche de Rincón Legüero contará con una selección de artistas que garantizan calidad y emoción: Germán Kalber, llegando desde Resistencia, Chaco, el reconocido cantautor y guitarrista traerá su impronta y su vasto repertorio; Lea Colman, conocido &nbsp;por su destacada participación en La Voz Argentina 2025, sumará su potente y emotiva voz a la propuesta; Herencia Ledesma, representando el canto joven, el dúo aportará la frescura de las nuevas generaciones de folkloristas, y Ema Benítez, artista emergente que completa esta variada y prometedora grilla. La gran diferencia de Rincón Legüero es su enfoque post-espectáculo. La organización invita a un folklore íntimo, voces que se cruzan y músicas que cuando termina el escenario sigue sonando. Al final de las presentaciones se dará paso a una gran guitarreada espontánea como tiene que ser. Reservá tu lugar (capacidad limitada). Entrada general: $10.000 (con precinto). Mesas (aparte): $30.000. Puntos de Venta: avenida González Lelong 348 (en horario comercial). Consultas y reservas: WhatsApp al +54 9 3705 22-9565.

Rincón Legüero: El nuevo 
refugio del folklore íntimo

Hay obras que no buscan contar la historia sino habitarla. La Pulpera de Santa Lucía - Leyenda sobre la dramática Buenos Ayres de 1840 es una de ellas. El drama histórico que revisita la Argentina de 1840 con estética shakespeareana y alma criolla subirá a escena por primera vez en Formosa y lo hará en el centro cultural independiente La Mandinga, el sábado 11 de abril, a las 21 horas. La ciudad que la obra recrea no tiene calles apacibles. Es la Buenos Ayres sitiada por el terror, gobernada por el miedo que irradia la Mazorca -la fuerza parapolicial del rosismo- y sacudida por las sublevaciones unitarias que conspiran en los márgenes. En ese escenario convulso, donde la delación y el exilio son moneda corriente, regresa Facundo Larrazábal, el Unitario, con una misión secreta y con el deseo urgente de encontrar a Dionisia, la Pulpera de Santa Lucía, antes de que la historia los devore a ambos. La dramaturgia, idea y adaptación llevan la firma de Candela Belén Zubeldía, que además encarna a Dionisia con una presencia que no negocia intensidad. El elenco -Cecilia Brondolo, Eduardo Benítez, Lisandro Priori y el formoseño Thiago López Escobar- comparte un mismo pulso formativo: la Escuela de Teatro de Buenos Aires de Raúl Serrano y la Nueva Escuela de Teatro (.NET), con la guía de Salvador Amore. No es un dato menor. Hay una ética ahí. Un modo de hacer. Un entrenamiento que se nota. Lo que aparece en escena es el resultado de ese trabajo sostenido: una poética que no busca agradar sino construir. Sin atajos, sin concesiones. El Shakespeare criollo La propuesta se sostiene sobre un concepto fascinante: el Shakespeare criollo. La dramaturgia, apoyada en las bases del estilo shakespeareano, se pone al servicio del lirismo criollo, del verso y de la metáfora, remontándonos a los orígenes del teatro argentino. No se trata de copiar al bardo inglés, sino de entender que la Buenos Ayres decimonónica tenía su misma temperatura dramática. La compañía toma la estructura shakesperiana -el verso como vehículo, la metáfora como lenguaje y la densidad lírica- y la pone al servicio del barro rioplatense. Pasión, traición y muerte bajo un mismo fuego, pero en distinto cielo.&nbsp; El texto parte de la obra homónima de Carlos Max Viale y Héctor Pedro Blomberg, aquella que durante décadas circuló entre valses y radioteatros como una de las piezas más entrañables del cancionero popular argentino. Pero Zubeldía fue más lejos: incorporó la novela Amalia, de José Mármol, cancioneros federales y unitarios, poesía gauchesca, pinturas y documentos del siglo XIX, además de textos propios. El resultado es una dramaturgia original sostenida en esa doble herencia: la forma europea y el alma mestiza. El proceso de creación no fue liviano. Entre 2023 y 2024 hubo investigación, búsqueda, pruebas. En 2025, el recorrido incluyó espacios con peso histórico: el Museo Histórico Nacional, el Cabildo, la Casa del Bicentenario, el Museo Pampeano. Luego, una temporada a sala llena en el Palacio El Victorial. Y ahora, 2026, la ruta sigue. Formosa aparece en ese mapa como un punto necesario, no como una escala más. Hay algo más que vuelve potente a esta obra: su condición. Es teatro independiente en estado puro. Sin subsidios, sostenida a pulmón y con recursos propios, la obra demuestra que la economía de medios no significa pobreza estética. Al contrario: el diseño de vestuario, la escenografía y la música original de Daniel Espíndola logran esa alquimia necesaria para que el espectador sienta que, por una hora, el tiempo se ha detenido; el público no asiste a la historia, la habita junto a los actores. Este sábado, en La Mandinga, la Pulpera vuelve a abrir su mostrador y nosotros estamos invitados a pasar.

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